În ce secol a trăit Rembrandt? Rembrandt - tablouri

Rembrandt Harmenszoon van Rijn este cel mai faimos pictor, gravor și desenator al „Epocii de Aur”. Recunoașterea universală și faima, un declin brusc și sărăcia - așa poate fi caracterizată biografia marelui geniu al artei. Rembrandt a căutat să transmită sufletul unei persoane prin portrete; zvonuri și presupuneri încă circulă despre multe dintre lucrările artistului, învăluite în mister.

Începutul secolului al XVII-lea a fost calm pentru statul olandez, care și-a câștigat independența ca republică în momentul revoluției. Producția industrială, agricultura și comerțul s-au dezvoltat în țară.

În orașul antic Leidin, situat în provincia Olanda de Sud, Rembrandt, care s-a născut la 15 iulie 1607, și-a petrecut copilăria într-o casă de pe Wedeshteg.

Băiatul a crescut într-o familie numeroasă, în care era al șaselea copil. Tatăl viitorului artist Harmen van Rijn era un om bogat care deținea o moară și o casă de malț. Printre altele, Van Rein mai avea două case în proprietatea sa și a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltier, așa că familia numeroasă a trăit din belșug. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și era versată în gătit, așa că masa familiei a abundat cu preparate delicioase.

În ciuda bogăției lor, familia Harmen a trăit modest, respectând reguli stricte catolice. Părinții artistului, nici după Revoluția olandeză, nu și-au schimbat atitudinea față de credință.

Autoportret al lui Rembrandt la 23 de ani

Rembrandt a fost amabil cu mama sa de-a lungul vieții. Acest lucru este exprimat într-un portret pictat în 1639, care înfățișează o bătrână înțeleaptă cu o privire blândă și ușor tristă.

Familia era străină de evenimentele sociale și de viața luxoasă a oamenilor bogați. Este rezonabil să presupunem că seara van Rijns se adunau la masă și citeau cărți și Biblia: asta a făcut majoritatea cetățenilor olandezi în timpul Epocii de Aur.

Moara de vânt deținută de Harmen era situată pe malul Rinului: în fața privirii băiatului se deschidea un peisaj frumos al unui râu azuriu, care este luminat de razele soarelui, făcându-și drum printr-o fereastră mică a clădirii și trecând. prin negura prafului de faina. Poate că, datorită amintirilor din copilărie, viitorul artist a învățat să stăpânească cu pricepere culorile, lumina și umbra.

În copilărie, Rembrandt a crescut ca un băiat observator. Spațiile deschise de pe străzile din Leidin au oferit surse de inspirație: pe piețele comerciale se putea întâlni oameni diferiți de naționalități diferite și să învețe cum să-și schițeze fețele pe hârtie.

Inițial, băiatul a mers la o școală latină, dar nu era interesat să studieze. Tânărului Rembrandt nu-i plăceau științele exacte, preferând desenul.

Copilăria viitorului artist a fost fericită, deoarece părinții au văzut hobby-urile fiului lor, iar când băiatul avea 13 ani, a fost trimis să studieze cu artistul olandez Jacob van Swanenburg. Se cunosc puține din biografia primului profesor al lui Rembrandt, reprezentantul manierismului târziu nu a avut o moștenire artistică uriașă, motiv pentru care este aproape imposibil de urmărit influența lui Iacov asupra formării stilului lui Rembrandt.

În 1623, tânărul a plecat în capitală, unde pictorul Peter Lastman a devenit al doilea său profesor, care l-a predat pe Rembrandt pictura și gravura timp de șase luni.

Pictura

Antrenamentul cu un mentor a avut succes, impresionat de picturile lui Lastman, tânărul a stăpânit rapid tehnica desenului. Culorile strălucitoare și saturate, jocul de umbre și lumini, precum și elaborarea scrupuloasă chiar și a celor mai mici detalii ale florei - asta i-a transmis Peter eminentului student.

În 1627, Rembrandt s-a întors din Amsterdam în orașul său natal. Încrezător în abilitățile sale, artistul, împreună cu prietenul său Jan Lievens, își deschide propria școală de pictură, care în scurt timp a câștigat popularitate printre olandezi. Lievens și Rembrandt erau la egalitate unul cu celălalt, uneori tinerii lucrau cu atenție pe o singură pânză, punând în desen o parte din stilul lor.

Tânărul artist în vârstă de 20 de ani și-a câștigat faima pentru lucrările sale timpurii detaliate, care includ:

• „Lapidarea Sfântului Apostol Ștefan” (1625),
• „Palamedea înaintea lui Agamemnon” (1626),
• „David cu capul lui Goliat” (1627),
• „Răpirea Europei” (1632),

Tânărul continuă să se inspire din străzile orașului, plimbându-se prin piețe pentru a întâlni un trecător întâmplător și a surprinde portretul acestuia cu o daltă pe o scândură de lemn. Rembrandt realizează și o serie de gravuri cu autoportrete și portrete ale numeroaselor rude.

Datorită talentului unui tânăr pictor, Rembrandt a fost remarcat de poetul Konstantin Heygens, care a admirat pânzele lui van Rijn și Lievens, numindu-i artiști promițători. „Iuda returnează treizeci de argint”, scris de un olandez în 1629, el compară cu celebrele pânze ale maeștrilor italieni, dar găsește defecte în desen. Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt dobândește în scurt timp bogați admiratori de artă: datorită medierii lui Haygens, Prințul de Orange comandă artistului mai multe lucrări religioase, precum Înaintea lui Pilat (1636).

Adevăratul succes al artistului vine la Amsterdam. 8 iunie 1633 Rembrandt o întâlnește pe fiica unui burghez bogat Saskia van Uylenbürch și câștigă o poziție puternică în societate. Artistul a pictat majoritatea pânzelor în timp ce se afla în capitala Olandei.

Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a pictat o femeie cu o pălărie cu boruri largi în creion argintiu. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

În 1632, Rembrandt a fost glorificat de pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”. Faptul este că van Rijn s-a îndepărtat de canoanele portretelor standard de grup, care erau reprezentate cu fețele întoarse spre privitor. Portretele extrem de realiste ale doctorului și studenților săi l-au făcut celebru pe artist.

În 1635 a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Jertfa lui Avraam”, care a fost apreciat în societatea laică.

În 1642, van Rijn a primit o comisie de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită în mod eronat „Night Watch”. A fost pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea, cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășoară pe pânză are loc în timpul zilei.

Rembrandt a descris cu atenție fiecare detaliu al mușchetarilor în mișcare: de parcă timpul s-ar fi oprit la un moment dat când miliția a părăsit curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut că pictorul olandez s-a îndepărtat de canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați cu fața completă, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Tehnica si picturile

Rembrandt credea că adevăratul scop al artistului este să studieze natura, așa că toate picturile pictorului s-au dovedit a fi prea fotografice: olandezul a încercat să transmită fiecare emoție a persoanei înfățișate.

La fel ca mulți maeștri talentați ai epocii de aur, Rembrandt are motive religioase. Pe pânzele lui van Rijn sunt desenate nu doar chipuri surprinse, ci și parcele întregi cu propria lor istorie.

În tabloul „Sfânta familie”, care a fost pictat în 1645, chipurile personajelor sunt naturale, olandezul pare să vrea să transfere privitorii în atmosfera confortabilă a unei simple familii de țărani cu ajutorul unei pensule și a vopselelor. Pe lucrările lui van Rijn nu se poate urmări o anumită pompozitate. a spus că Rembrandt a pictat-o ​​pe Madona sub forma unei țărănci olandeze. Într-adevăr, de-a lungul vieții, artistul s-a inspirat din oamenii din jurul său, este posibil ca pe pânză o femeie, copiată dintr-o servitoare, să amâne un bebeluș.

Sfânta familie a lui Rembrandt, 1646

La fel ca mulți artiști, Rembrandt este plin de mistere: după moartea creatorului, cercetătorii s-au gândit mult timp la secretele picturilor sale.

De exemplu, la tabloul „Danae” (sau „Aegina”) van Rijn a lucrat timp de 11 ani, începând cu 1636. Pânza înfățișează o tânără fecioară după ce s-a trezit din somn. Intriga se bazează pe mitul grecesc antic al lui Danae, fiica regelui Argos și mama lui Perseus.

Cercetătorii pânzei nu au înțeles de ce fecioara goală nu semăna cu Saskia. Cu toate acestea, după radiografie, a devenit clar că Danae a fost pictat inițial după imaginea lui Eilenbürch, dar după moartea soției sale, van Rijn a revenit la imagine și a schimbat trăsăturile feței lui Danae.

De asemenea, printre criticii de artă au existat dispute cu privire la eroina înfățișată pe pânză. Rembrandt nu a semnat titlul picturii, iar interpretarea intrigii a fost îngreunată de absența unei ploi de aur, conform legendei, în forma căreia i-a apărut Zeus lui Danae. De asemenea, oamenii de știință au fost stânjeniți de inelul de logodnă de pe degetul inelar al fetei, care nu era în concordanță cu mitologia greacă antică. Capodopera lui Rembrandt „Danae” se află în Muzeul Ermitajului Rus.

Mireasa evreiască (1665) este un alt tablou enigmatic de van Rijn. Acest nume a fost dat pânzei la începutul secolului al XIX-lea, dar încă nu se știe cine este reprezentat pe pânză, deoarece o fată tânără și un bărbat sunt îmbrăcați în costume antice care amintesc de hainele biblice. De asemenea, populară este pictura „Întoarcerea fiului risipitor” (1669), care a fost creată în 6 ani.

Fragment din „Întoarcerea fiului risipitor” de Rembrandt

Dacă vorbim despre stilul de a scrie picturi de Rembrandt, atunci artistul a folosit un minim de culori, reușind în același timp să facă picturile „vii”, grație jocului de lumini și umbre.

De asemenea, Van Rijn reușește cu succes să înfățișeze expresiile faciale: toți oamenii de pe pânzele marelui pictor par să fie în viață. De exemplu, în portretul unui bătrân - tatăl lui Rembrandt (1639), fiecare rid este vizibilă, precum și o privire înțeleaptă și tristă.

Viata personala

În 1642, Saskia a murit de tuberculoză, iubita a avut un fiu, Titus (alți trei copii au murit în copilărie), cu care Rembrandt a întreținut relații de prietenie. La sfârșitul anului 1642, artistul se întâlnește cu un tânăr special Gertier Dirks. Părinții lui Saskia au fost supărați de modul în care văduvul și-a gestionat zestrea în timp ce trăia în lux. Mai târziu, Dirks își dă în judecată iubitul pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători cu ea. Din a doua femeie, artista a avut o fiică, Cornelia.

Pictură de Rembrandt „Saskia în imaginea zeiței Flora”

În 1656, din cauza dificultăților financiare, Rembrandt s-a declarat falimentar și a plecat într-o casă retrasă la periferia capitalei.

Viața lui Van Rijn nu a continuat să crească, ci, dimpotrivă, a intrat în declin: o copilărie fericită, bogăția și recunoașterea au fost înlocuite de clienți plecați și de o bătrânețe cerșetoare. Starea de spirit a artistului poate fi urmărită pe pânzele sale. Așadar, trăind cu Saskia, el pictează tablouri vesele și însorite, de exemplu, „Autoportret cu Saskia în genunchi” (1635). Pe pânză, van Rijn râde cu râs sincer, iar o lumină radiantă luminează camera.

Dacă mai devreme picturile artistului erau detaliate, atunci în stadiul creativității târzii, Rembrandt folosește linii mari, iar razele soarelui sunt înlocuite de întuneric.

Pictura „Conspirația lui Julius Civilis”, scrisă în 1661, nu a fost plătită de clienți, deoarece fețele participanților la conspirație nu au fost elaborate cu scrupulozitate, spre deosebire de lucrările anterioare ale lui van Rijn.

Pictura de Rembrandt „Portretul fiului lui Titus”

Cu puțin timp înainte de moartea sa, trăind în sărăcie, în 1665 Rembrandt a pictat un autoportret după imaginea lui Zeuxis. Zeukis este un pictor grec antic care a murit de o moarte ironică: artistul a fost amuzat de portretul Afroditei pe care l-a pictat sub forma unei bătrâne și a murit de râs. În portret, râde Rembrandt, artistul nu a ezitat să pună o cotă de umor negru în pânză.

Moarte

Rembrandt și-a înmormântat fiul Titus, care a murit de ciuma, în 1668. Acest eveniment trist a înrăutățit brusc starea de spirit a artistului. Van Rijn a murit la 4 octombrie 1669 și a fost înmormântat în biserica Netherlandish Westerkerk din Amsterdam.

Statuia lui Rembrandt la Rembrandtplein din Amsterdam

În timpul vieții sale, artistul a pictat aproximativ 350 de pânze și 100 de desene. I-au trebuit omenirii două secole pentru a-l aprecia pe acest mare artist.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Țările de Jos: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) a fost un artist, desenator și gravor olandez, un mare maestru al epocii de aur al reprezentativului olandez chiaroscuro pictura. A reușit să întrupeze în lucrările sale întreaga gamă de experiențe umane cu o asemenea bogăție emoțională, pe care arta plastică nu a cunoscut-o înaintea lui. Lucrările lui Rembrandt, extrem de diverse ca gen, deschid privitorului lumea spirituală atemporală a experiențelor și sentimentelor umane.

Rembrandt Harmenszoon („fiul lui Harmen”) van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606 (conform unor surse, în 1607) într-o familie numeroasă a unui bogat proprietar de moară Harmen Gerritszoon van Rijn din Leiden. Familia mamei, chiar și după Revoluția olandeză, a rămas fidelă credinței catolice.

În Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar a arătat cel mai mare interes pentru pictură. La vârsta de 13 ani, a fost trimis să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenbürch, catolic de credință. Cercetătorii nu au reușit să găsească lucrările lui Rembrandt legate de această perioadă, așa că chestiunea influenței lui Swanenbürch asupra formării modului creator al lui Rembrandt rămâne deschisă: astăzi se știe prea puțin despre acest artist din Leiden.

În 1623, Rembrandt a studiat la Amsterdam cu Pieter Lastman, care se instruise în Italia și se specializase în subiecte istorice, mitologice și biblice. Întors la Leiden în 1627, Rembrandt, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier și a început să recruteze studenți. În câțiva ani, a câștigat o mare popularitate.

Pasiunea lui Lastman pentru variație și detaliu în execuție a avut un impact uriaș asupra tânărului artist. Se vede clar în primele sale lucrări supraviețuitoare - „Lapidarea Sf. Ștefan” (1629), „O scenă din istoria antică” (1626) și „Botezul unui eunuc” (1626). În comparație cu lucrările sale mature, ele sunt neobișnuit de colorate, artistul se străduiește să scrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale, cât mai exact posibil pentru a transmite decorul exotic al poveștii biblice. Aproape toate personajele apar în fața privitorului îmbrăcați în ținute orientale bizare, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de majoritate, splendoare, festivitate („Alegoria muzicii”, 1626; „David înaintea lui Saul”, 1627).

Lucrările finale ale perioadei – „Tobit și Anna”, „Balaam și măgarul” – reflectă nu numai imaginația bogată a artistului, ci și dorința acestuia de a transmite cât mai expresiv experiențele dramatice ale eroilor săi. Ca și alți maeștri ai barocului, el începe să înțeleagă semnificația clarobscurului sculptat ascuțit în transmiterea emoției. Profesorii săi în legătură cu lucrul cu lumina au fost caravagiștii de la Utrecht, dar el a fost și mai ghidat de lucrările lui Adam Elsheimer, un german care a lucrat în Italia. Cele mai caravagiste picturi ale lui Rembrandt sunt „Pilda bogatului nebun” (1627), „Simeon și Anna în templu” (1628), „Hristos la Emaus” (1629).

Adiacent acestui grup se află pictura Artistul în atelierul său (1628; poate acesta este un autoportret), în care artistul s-a surprins în atelier în momentul contemplării propriei creații. Pânza la care se lucrează este adusă în prim-planul imaginii; în comparație cu el, autorul însuși pare un pitic.

Una dintre problemele nerezolvate ale biografiei creative a lui Rembrandt este suprapunerea sa artistică cu Lievens. Lucrând cot la cot, ei au abordat de mai multe ori același subiect, precum Samson și Dalila (1628/1629) sau Învierea lui Lazăr (1631). Parțial, ambii au fost atrași de Rubens, care atunci era cunoscut ca cel mai bun artist din toată Europa, uneori Rembrandt a împrumutat descoperirile artistice ale lui Livens, alteori a fost exact invers. Din acest motiv, distincția dintre lucrările lui Rembrandt și Lievens din 1628-1632 prezintă anumite dificultăți pentru istoricii de artă. Printre celelalte lucrări celebre ale sale se numără „Magarul lui Valaam” (1626).

Aceasta face parte dintr-un articol Wikipedia folosit sub licența CC-BY-SA. Textul integral al articolului aici →

Viitorul reformator al artelor plastice s-a născut în familia unui morar bogat din Leiden. Încă din copilărie, băiatul a arătat interes pentru pictură, așa că la vârsta de 13 ani a fost trimis ca ucenic la artistul din Leiden Jacob van Swanenbürch. Mai târziu, Rembrandt a studiat cu pictorul din Amsterdam Pieter Lastman, care s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice.

Deja în 1627, Rembrandt a reușit, împreună cu prietenul său Jan Lievens, să-și deschidă propriul atelier - tânărul pictor, care abia avea 20 de ani, a început să recruteze el însuși studenți.

Deja în primele lucrări ale lui Rembrandt, un stil pictural special începe să prindă contur - artistul caută să-și scrie personajele cât mai emoțional posibil, literalmente fiecare centimetru al pânzei este plin de dramă. Chiar la începutul călătoriei, viitorul maestru de neîntrecut al lucrului cu clarobscurul și-a dat seama de puterea acestei tehnici de transmitere a emoțiilor.

În 1631, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde a fost primit cu entuziasm, cunoscătorii de artă au comparat stilul de pictură al tânărului artist cu lucrările lui Rubens însuși - apropo, Rembrandt a fost bucuros să se concentreze pe multe dintre estetica acestui artist.

Perioada de muncă din capitala olandeză a devenit un reper pentru genul portretului în opera lui Rembrandt - aici maestrul pictează multe studii despre capete de femei și bărbați, lucrând cu atenție fiecare detaliu, înțelegând toate subtilitățile expresiilor faciale ale unui chip uman. Artistul pictează cetățeni înstăriți - faima sa se răspândește rapid și devine cheia succesului comercial - și lucrează mult și la autoportrete.

Soarta lui Rembrandt – atât personală, cât și creativă – nu a fost ușoară. Favorizat devreme de faimă și succes, talentatul pictor și-a pierdut brusc clienți bogați care nu au reușit să-și dea seama de curajul revoluționar al operei sale. Moștenirea lui Rembrandt a fost cu adevărat apreciată abia două secole mai târziu - în secolul al XIX-lea, artiștii realiști s-au inspirat din pânzele acestui maestru, unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

"Seara Moscova„sugerează să amintim cele mai cunoscute tablouri ale lui Rembrandt, care sunt perlele colecțiilor celor mai mari muzee din lume.

1. „Danae” (1633-1647)

Chiar dacă nu știi nimic despre Rembrandt și nu ești deloc interesat de pictură, această imagine îți este cu siguranță familiară. Pânza, depozitată în Schitul din Sankt Petersburg, a fost pierdută aproape iremediabil în 1985, din cauza unui vandal care a stropit-o cu acid sulfuric și apoi a tăiat pânza cu un cuțit.

Tabloul, care înfățișează o fată goală întinsă pe un pat în razele de lumină nepământeană, a fost pictată de Rembrandt pentru casa lui - binecunoscutul mit grec antic despre frumoasa Danae, viitoarea mamă a câștigătoarei Medusa Perseus și Zeus. Thunderer a fost ales ca intriga. Însăși apariția lui Danae a reprezentat o ghicitoare pentru cercetătorii creativității, pe care au reușit să o rezolve destul de recent: se știe că modelul lui Rembrandt a fost soția sa Saskia van Uilenbürch, dar Danae care a ajuns până la noi nu seamănă deloc cu cel al artistului. soție. Un studiu cu raze X al pânzei a arătat că Rembrandt a rescris parțial chipul lui Danae după moartea soției sale - și a făcut-o să arate ca chipul celui de-al doilea iubit, bona fiului său Titus Gertier Dirks. Cupidon, plutind peste Danae, arăta și el inițial diferit - zeul înaripat a râs, iar în versiunea finală, suferința i-a înghețat pe față.

După atacul asupra picturii din 1985, a fost nevoie de 12 ani pentru a o restaura. Pierderea picturii a fost de 27%, cei mai buni maeștri au lucrat la restaurarea capodoperei lui Rembrandt - dar nu existau garanții de succes. Din fericire, pânza a reușit în continuare să fie salvată, acum imaginea este protejată în mod fiabil de sticlă blindată.

2. „Cezorul de noapte”, (1642)

Pânza colosală, de aproape patru metri, a devenit cu adevărat fatală în cariera creatorului său. Numele corect al tabloului este „Discursul companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Ea a devenit „Pazul de noapte” după ce ea, uitată timp de două secole, a fost descoperită de istoricii de artă. S-a decis că pictura înfățișează mușchetari în timpul unei slujbe de noapte - și numai după restaurare s-a dovedit că o culoare originală complet diferită a fost ascunsă sub un strat de funingine - umbrele vorbesc elocvent despre asta - acțiunea pe pânză are loc în jurul orei 2 ora dupa-amiaza.

Lucrarea a fost comandată lui Rembrandt de către Shooting Society, un detașament al miliției civile din Țările de Jos. Un portret de grup de șase companii trebuia să decoreze noua clădire a societății - lui Rembrandt i s-a cerut să picteze compania de puști a căpitanului Frans Banning Cock. Un portret formal tradițional era așteptat de la artist - toate personajele la rând - totuși, el a decis să înfățișeze mușchetarii în mișcare. Compoziția îndrăzneață, în care fiecare figură este cât se poate de dinamică, nu a găsit înțelegere cu clientul - nemulțumirea a fost cauzată de faptul că una dintre figuri era clar vizibilă, iar cineva era în fundal. „Night Watch” a rupt literalmente cariera lui Rembrandt - după această imagine, clienții bogați constant s-au îndepărtat de pictor, iar modul de a scrie lui s-a schimbat dramatic.

Apropo, soarta acestei pânze nu este mai puțin tragică decât cea a lui Danae. Pentru început, în secolul al XVIII-lea a fost tăiat complet în mod barbar pentru a se potrivi în noua sală a Societății de Tragere. Așa că mușchetarii Jacob Dirksen de Rooy și Jan Brugman au dispărut din imagine. Din fericire, s-a păstrat o copie a pânzei originale. „Night Watch” a supraviețuit de trei ori atacului vandalilor: prima dată a fost tăiată o bucată mare de pânză, a doua oară pictura a fost înjunghiată de 10 ori și a treia oară a fost stropit cu acid sulfuric.

Acum pânza este depozitată în Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam. Puteți privi această imagine timp de multe ore - toate personajele sunt scrise atât de detaliat pe o pânză imensă, atât „fabricate la comandă” (de fapt, mușchetari - sunt 18), cât și adăugate de Rembrandt la discreția sa ( 16 figuri, cele mai misterioase - o fetiță în locul „secțiunii de aur” a imaginii)

3. „Fiu risipitor într-o cârciumă” (1635)

Acest autoportret al artistului cu iubita sa soție Saskia în genunchi este păstrat în Galeria Old Masters din Dresda (alias Galeria Dresda). Fără îndoială că artistul a pictat acest tablou, fiind absolut fericit. În această perioadă a vieții sale, Rembrandt a muncit din greu și fructuos, a fost popular, a primit taxe mari pentru munca sa, printre clienții săi se numărau oameni celebri și bogați. Maestrul a reelaborat complotul din Evanghelia după Luca în spiritul vremii - fiul risipitor este îmbrăcat într-o camisolă și o pălărie cu boruri largi, cu o penă, desfrânata în genunchi este, de asemenea, îmbrăcată în moda vremii. Apropo, acesta este singurul pictură-autoportret al artistului împreună cu soția sa - o altă imagine a lui și a lui Saskia în același spațiu pitoresc pe care Rembrandt l-a făcut în tehnica gravurii în 1638. În ciuda tonului general vesel al imaginii, autorul nu a uitat să vă reamintească că mai devreme sau mai târziu va trebui să plătiți pentru tot în această viață - ardezia din fundal vorbește elocvent despre acest lucru, unde petrecăreții vor fi facturați foarte curând. . Ar fi putut Rembrandt să ghicească cât de mare ar fi propria lui răscumpărare pentru talent?

4. „Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669)

Acesta este cel mai mare tablou de Rembrandt pe tema religioasa, se pastreaza in Schit. Centrul semantic al imaginii este puternic deplasat în lateral, figurile principale sunt evidențiate cu lumină, restul personajelor sunt acoperite cu o umbră, ceea ce face imposibilă greșeala la citirea imaginii. Apropo, toate picturile lui Rembrandt sunt unite de un detaliu important - cu claritatea generală a intrigii principale, în fiecare imagine există ghicitori pe care criticii de artă nu le pot rezolva. La fel ca fata din The Night's Watch, The Return of the Prodigal Son are personaje învăluite în mister. Sunt patru dintre ei - cineva le numește în mod condiționat „frați și surori” ale protagonistului. Unii cercetători interpretează figura feminină din spatele coloanei ca pe un al doilea fiu ascultător - deși în mod tradițional acest rol este atribuit unui bărbat din prim-plan. Omul acesta, cu barbă, cu toiagul în mâini, ridică nu mai puține întrebări – în Evanghelia după Luca, un frate decan a venit în fugă să-și întâlnească ruda risipitoare chiar de pe câmp, iar aici este mai degrabă un nobil rătăcitor, poate chiar cel Evreu etern. Apropo, este posibil ca Rembrandt să se fi portretizat în acest fel - autoportretele, după cum știți, nu sunt neobișnuite în picturile sale.

5. „Saskia as Flora” (1634)

Majoritatea imaginilor feminine de pe pânzele lui Rembrandt din perioada 1934-1942 sunt scrise de la iubita soție a artistului, Saskia van Uylenbürch. În imaginea străvechii zeițe a Florei primăverii, maestrul a portretizat-o pe Saskia de trei ori - portretul pe care îl luăm în considerare a fost creat în anul nunții lor - se vede cu ochiul liber că Rembrandt și-a idolatrizat soția, a admirat-o și a pus toată tandrețea lui în creația pitorească.

Saskia avea 22 de ani la momentul căsătoriei, la 17 ani a rămas orfană. O șansă a adus-o la viitorul ei soț - a venit la Amsterdam să-și viziteze verișoara, soția predicatorului Johann Cornelis Silvius, care îl cunoștea pe Rembrandt. Nunta a avut loc la 10 iunie 1634. În 1942 - la doar un an după nașterea fiului mult așteptat Titus - Saskia a murit.

Flora-Saskia este întruchiparea tinereții, prospețimii și castității, există atât de multă timiditate fermecătoare și prospețime de fetiță în aspectul ei. Rembrandt a combinat cu pricepere portretul pastoral cu cel istoric în această imagine. Apropo, dintre cele trei Flores pictate de la soția sa (alte două tablouri au fost create în 1935 și 1941), primul se referă mai ales la antichitate, celelalte două portrete sugerează mitul doar în detalii abia vizibile. „Saskia ca Flora” se păstrează în Schit.

„Peisaj cu un pod de piatră” este o imagine care conține toate trăsăturile stilului autorului. Contrastul culorilor, combinația de lumină și întuneric în așa fel încât lumina pare și mai naturală, iar întunericul mai profund […]

În opera sa, Rembrandt a descris în mod repetat mori, văzând propriul lor farmec și frumusețe în ele. Această imagine este una dintre cele mai mari lucrări ale autorului. Atmosfera grea a pânzei este asociată cu imaginea frumosului, […]

Povestea lui Samson și Dalila este descrisă în Vechiul Testament. Potrivit legendei, Samson a fost ales de Dumnezeu pentru a proteja poporul evreu de cei mai mari dușmani ai săi. Pentru a face acest lucru, i-a dat copilului o mare putere, […]

Imaginea surprinde povestea când Iisus Hristos i se arată Mariei Magdalena. După moartea tragică, nimeni nu se aștepta să-l mai vadă pe Fiul Domnului, așa că apariția lui a luat-o pe fată prin surprindere. După stilul autorului, fundalul picturii […]

Potrivit legendei, vârstnicul Simeon a putut accepta odihna veșnică numai după ce L-a văzut pe Hristos cu ochii săi. Pânza îl înfățișează pe Bătrânul însuși, pe Sfânta Fecioară Maria și pe micul Iisus Hristos în brațele lui Iosif. Sfinții au sosit […]

Imaginea este o imagine a uneia dintre pildele descrise în Evanghelia după Luca. Este vorba despre un bărbat bogat care decide să-și folosească toată averea pentru confortul și fericirea personală, mai degrabă decât […]

Acest tablou este una dintre ultimele capodopere pictate de Rembrandt. Pe pânză se vede o familie plină de fericire și armonie. De fapt, această pânză este desenată mai degrabă decât ca parte a unei cronici de familie, ci ca […]

Marele artist olandez Rembrandt Harmenszoon van Rijn a fost un mare maestru al descrierii emoțiilor și experiențelor umane. Lucrările de gen ale maestrului sunt foarte diverse, dar indiferent de subiectul pe care scrie, profunzimile pasiunilor umane […]

Republica Bashkortostan

Școala de artă pentru copii nr 2

Rezumat pe tema:

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Efectuat Pupila 33 gr.

Pilyugina Anna

Verificat de Sevastyanova I.A.

Ufa, 2007

1. Introducere

2. Biografie

3. Creativitate

4. Analiza muncii

5. Concluzie

Introducere.

Olanda în secolul al XVII-lea a fost una dintre cele mai bogate țări din Europa. Mărfuri din întreaga lume s-au adunat în capitala sa, Amsterdam. Comercianții și bancherii olandezi bogați doreau ca opere de artă să reflecte întreaga lor viață. Pictura era la acea vreme cea mai populară și dezvoltată formă de artă. Fiecare olandez mai mult sau mai puțin bogat a considerat tabloul cel mai bun decor al casei sale. Potrivit unui contemporan, în orașele olandeze „toate casele erau pline de tablouri”. În ciuda faptului că unii artiști au pictat mai ales portrete, alții - scene de gen, încă alții - naturi moarte, al patrulea - peisaje, toți s-au străduit să înfățișeze viața înconjurătoare în mod realist: sincer, simplu, fără înfrumusețare. Au reușit și mulți dintre ei au devenit faimoși timp de secole. Dar oricât de înaltă a fost priceperea pictorilor olandezi din secolul al XVII-lea, ei au fost depășiți de marea lor artă de Rembrandt van Rijn - un pictor, gravor și desenator olandez, cel mai mare artist al tuturor timpurilor și popoarelor. El a trăit într-o epocă în care rațiunea făcea deja încercări de a triumfa asupra credinței, când dreptul celor puternici era contestat de dreptul celor bogați, iar cei slabi și săraci erau în dispreț și reproș. Lumea s-a extins în granițele sale, datorită marilor descoperiri geografice și studiului universului, dar în același timp s-a restrâns la scara unei case particulare sau chiar a unui singur suflet, pentru că credința a fost declarată o chestiune privată care nu nu afectează procesele din societate. Uneori, scara unui suflet poate depăși scara universului și atunci acest suflet este capabil să-și genereze propriile lumi, propriile universuri. Astfel de oameni se nasc o dată pe secol, dacă nu mai rar. Rembrandt a fost doar o astfel de persoană în care a trăit universul, și nu doar una. El este grozav în simplitate și umanitate uimitoare. Prin intermediul picturii, Rembrandt a putut, ca nimeni înaintea lui, să dezvăluie lumea interioară a unei persoane, experiențele sale emoționale complexe.

Rembrandt nu a fost niciodată înconjurat de onoruri, nu a fost niciodată în centrul atenției generale, nu a stat în prim-plan, nici un poet din timpul vieții lui Rembrandt nu a cântat despre el. La serbările oficiale, în zilele de mari festivități, uitau de el. Și nu i-a iubit și nu s-a ferit de cei care l-au neglijat. Compania obișnuită și iubită era negustorii, filistenii, țăranii, artizanii - cei mai simpli oameni. Îi plăcea să viziteze tavernele din port, unde se distrau marinarii, traficanții de vechituri, actorii itineranti, hoții mici și prietenele lor. A stat fericit acolo ore în șir, urmărind agitația și uneori schițând chipuri interesante, pe care apoi le-a transferat pe pânzele sale.

Biografie.

La 15 iulie 1606, la Leiden, morarul bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au avut un al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara nu era departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.

Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, au vrut ca acesta să devină om de știință sau funcționar. Învață la școala latină, iar apoi, din 1620, la Universitatea din Leiden, pe care o părăsește fără să o finalizeze. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii, l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583–1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier de pictură.

Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânește tehnica picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe principiul umanist al artei italiene. La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Haga, Mauritshuis), care aparține tradiției unui portret de grup. Tabloul a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre cei mai la modă tineri portretişti din Amsterdam.

În 1634, Rembrandt se căsătorește cu fiica fostului primar al orașului Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat.Imaginea ei a fost imortalizată de Rembrandt în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.Din această căsătorie, fiul Titus, copil al lui. iubirea și bucuria, se naște. În munca sa, Rembrandt are succes și fericit ca și în căsătorie. Cei mai bogați oameni din oraș comandă portrete pentru el, corporații bogate de artizani comandă portrete de grup, magistratul cere să picteze tablouri pe diverse teme, inclusiv religioase, gravurile sale sunt vândute în magazinele celor mai cunoscuți anticari. Are mulți studenți. Rembrandt cumpără o casă mare cu trei etaje pe Breestraat, unde are un atelier, camere de zi și chiar un magazin. Mobilând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Durer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrările lui Michelangelo, Tițian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.

La începutul anilor 1940, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930 a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai cunoscute picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este Danae (1636-1646, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). A început să lucreze la imagine într-o perioadă de fericire în familie, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: cei trei copii ai lui Rembrandt mor, câteva luni mai târziu, iubita lui soție Saskia (1642), care îl lasă în brațe pe tânărul Titus, a murit. Curând își pierde mama și surorile. După moartea lui Saskia, viața lui Rembrandt părea să dea o crapă care nu va dura până la sfârșitul zilelor sale. În anii 1650 avea din ce în ce mai puține comisioane. Bogații nu-și mai comandă portretele de la el, magistratul nu dă fonduri pentru tablouri pentru clădiri publice. În bisericile vremii nici picturile nu erau necesare, întrucât protestantismul, care avea o atitudine negativă față de arta religioasă, a câștigat în Olanda. Gravurile lui Rembrandt, care s-au vândut atât de bine acum câțiva ani, acum nu-și găsesc cumpărător. O vreme, Rembrandt, obișnuit să trăiască în mare măsură, trăiește ca înainte, dar acest lucru este peste posibilitățile lui. Din cauza datoriilor restante, creditorii depun pretenții formale, solicită o hotărâre judecătorească de închisoare. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost efectuat un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului era de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17.000 de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile care vor fi create de artist trebuie vândute pentru achitarea datoriilor, instanța l-a lipsit și pe Rembrandt de dreptul de a avea proprietate, cu excepția lucrurilor purtabile și a rechizitelor de desen, ceea ce a însemnat o existență cerșetoare. Rudele lui Saskia sunt incluse și în campania de hărțuire a artistului, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că. susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși în acel moment Rembrandt a strâns o avere prin munca sa care depășea dăruirea soției sale, el a adunat o colecție magnifică de comori de artă. Faimosul pictor, care a cunoscut faima și averea devreme, s-a dovedit a fi un om sărac până la vârsta de cincizeci de ani, trăiește singur, uitat de admiratori și prieteni. Adevărat, încă mai scrie mult, dar toate pânzele îi sunt luate imediat de creditori...
O consolare în situația dificilă a lui Rembrandt, pe lângă pictură, este a doua sa soție, Hendrikje Stoffels. Mai degrabă, ea era menajera lui, iar el a locuit cu ea, după cum se spune, într-o căsătorie civilă. Societatea puritană l-a mustrat sever pentru această „coabitare.” Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că. conform voinței lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, va fi lipsit de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Cu toate acestea, Hendrikje nu a fost doar o femeie economică, ci și o bună; pentru Titus, ea a devenit o adevărată mamă. În 1654 a născut pe fiica lui Rembrandt, Cornelia. Imaginea lui Hendrikje Stoffels este, de asemenea, înfățișată pe pânzele lui Rembrandt. Nu este la fel de tânără și frumoasă ca Saskia, dar artista o privește cu ochi de dragoste, o înfățișează cu mare căldură. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrikje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. Familia Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. Titus, după ruinarea tatălui său, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. . În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să scrie.

În 1660, Titus și Hendrickier deschid un magazin de antichități, unde Rembrandt a fost angajat de un expert. Și deși, printr-o hotărâre judecătorească, picturile proaspăt pictate de Rembrandt urmau să fie trecute la dispoziția creditorilor, contractul de angajare a acestuia i-a oferit artistului posibilitatea de a-și transfera lucrările la un magazin de antichități. Acest lucru a permis familiei să-și mărească veniturile și să-și cumpere o casă.

Necazurile nu încetează să cadă asupra artistului: în 1663 și-a pierdut iubitul Hendrikje Stoffels, care, conform voinței ei, îi lasă lui Titus un anticariat, iar lui Rembrandt o mică moștenire. În 1668, fiul Titus moare. Alaturi de el a ramas doar fiica sa Cornelia, care la acea vreme avea 14 ani. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. Și totuși, în ciuda tuturor, Rembrandt continuă să picteze, să taie gravuri, să croiască din ce în ce mai multe planuri noi.

În februarie 1668, Titus s-a căsătorit cu Magdalena van Loo, dar a murit la scurt timp după aceea. Acest lucru i-a dat o lovitură zdrobitoare lui Rembrandt, iar la 8 octombrie 1669, acesta moare în brațele fiicei sale Corneli.

Creare.

Opera lui Rembrandt este fără îndoială punctul culminant al școlii olandeze. Acest maestru a fost singur printre colegii artiști. L-au considerat „primul eretic în pictură”, deși mai târziu ei înșiși au început să fie numiți „mici olandezi” – pentru a sublinia cât de mult îi depășise Rembrandt.

Stilul baroc, care a apărut în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar rafinamentul, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutarea lui Rembrandt. A fost un admirator al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul tendinței realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.

Rembrandt a scris ceea ce a observat în viață și tot ceea ce a descris a devenit neobișnuit de poetic. Această minune a fost săvârșită de pensula marelui maestru. În picturile lui Rembrandt, amurgul domină, iar lumina aurie moale evidențiază figurile din acesta. Culorile în sine, parcă ar fi încălzite de căldura interioară, strălucesc ca

pietre prețioase.Un loc aparte în opera lui Rembrandt este ocupat de o temă religioasă, aici se manifestă originalitatea maestrului. Principala sursă de inspirație pentru Rembrandt a fost Biblia. Chiar și atunci când picturile pe teme religioase nu erau solicitate, artistul le-a pictat pentru el, pentru că simțea o nevoie reală de el. Aceste picturi întruchipează sufletul său, rugăciunea sa, lectura profundă a Evangheliei.Artistul a citit Biblia în limba sa maternă, care nu se distinge prin eleganță. Îl îmbracă într-o formă de înțeles și apropiată de contemporanii săi, oameni de viață simplă și credință simplă. Un astfel de hambar, în care s-a născut Mântuitorul, este în fiecare sat olandez. Templul din Ierusalim, unde bătrânul Simeon îl primește pe Pruncul Divin în brațele sale, amintește de catedralele antice din Amsterdam. Și toate personajele din picturile sale biblice, și chiar și îngerii, arată ca niște burghezi și țărani, care se găsesc peste tot în această țară.

De-a lungul anilor, clarobscurul a devenit din ce în ce mai important în maniera artistului, cu ajutorul căruia pune accente spirituale și emoționale, peste tot lumina este „protagonista” tabloului și cheia interpretării intrigii. Este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, lumea interioară complexă a oamenilor.În 1648, a pictat pictura „Hristos la Emaus”, unde clarobscurul creează o atmosferă emoțională tensionată. „Expulzarea comercianților din templu" a fost scrisă de Rembrandt la vârsta de douăzeci de ani. Unele caracteristici ale acestei lucrări vorbesc despre lipsa de experiență a maestrului novice, deși multe prefigurează deja viitoarele sale capodopere. Este ușor de observat defecte profesionale în imaginea: erori de perspectivă și proporții.Totuși, însăși alegerea intrigii este o dovadă a aspirațiilor independente ale unui tânăr pictor.Spre deosebire de atașamentele majorității pictorilor olandezi față de genul de zi cu zi, el apelează la o imagine istorică despre o poveste biblică și o pictează cu o intensitate dramatică de pasiuni neobișnuită pentru „micul olandez”. Stările emoționale extreme recreate pe pânză – teamă, groază, furie – sunt dovada interesului timpuriu al artistului pentru lumea interioară a omului. Această ascuțire oarecum grotească a manifestărilor spirituale a fost punctul de plecare în calea creatoare a lui Rembrandt, care l-a condus mai târziu la descoperirea vieții cu multe fețe a sufletului uman.

Cu toate acestea, limbajul pictural al lui Rembrandt este surprinzător de subtil și sofisticat, artistul realizează nuanțe incredibile de culoare, jocul de lumini și umbre, construiește cu măiestrie o compoziție. Tipurile picturilor sale sunt în mod deliberat oameni obișnuiți, dar sentimentele și experiențele lor sunt profunde și sublime. Acest contrast face ca tablourile maestrului să fie unice. Rembrandt atinge o sofisticare deosebită în grafică. Aici el realizează o subtilitate incredibilă a liniilor și a loviturii, dar acesta este doar un mijloc de pătrundere profundă în complot. În esență, Rembrandt este creatorul gravurii, dar și după el, puțini oameni au reușit să transmită atât de precis din punct de vedere psihologic starea spirituală a personajelor. Tema biblică este cea principală și aici. Versiunile grafice ale pildei fiului risipitor uimesc prin intensitatea dramei și afectează privitorul nu mai puțin decât celebrul tablou pe această temă.

Picturile și gravurile lui Rembrandt sunt mult mai cunoscute publicului decât desenele sale, care au rămas multă vreme subiectul intereselor unui cerc restrâns de colecționari și cunoscători. Între timp, figura lui Rembrandt desenator nu este în niciun fel inferioară lui Rembrandt pictorul sau gravorul. Desenele maestrului, păstrate în cantități uriașe - aproximativ 1700 de coli, constituie o zonă autonomă a lucrării sale. Iar una dintre cele mai remarcabile trăsături ale desenelor lui Rembrandt este capacitatea lor de a face din privitor martor și complice al nașterii gândirii artistice a unui maestru genial. Printre aceste foi se află o mică schiță „Femeie cu copil”. Executat cu un stilou de trestie, pastreaza toata libertatea si imediatitatea unei schite instant din natura sau din memorie, cand mainile artistului abia au timp sa contureze liniile principale.

Ultimele lucrări ale maestrului uimesc prin rafinamentul stilului, profunzimea pătrunderii în lumea interioară a imaginilor, efectele de clarobscur sunt și mai accentuate, transformând pânzele în picturi murale sclipind ca pietrele prețioase. În grafică, Rembrandt atinge, de asemenea, culmi incredibile de îndemânare.

Chiar și acum el pictează adesea autoportrete, uitându-se în ele ca într-o oglindă, poate încercând să-și dezlege propria soartă sau să înțeleagă planul lui Dumnezeu, care îl călăuzește atât de bizar prin viață. Autoportretele lui Rembrandt nu sunt doar punctul culminant al operei sale, ci nu au analogi în galeria mondială de portrete. În autoportretele din ultimii ani, vedem un om îndurând eroic încercări grele și amărăciunea pierderii. Ca portretist, el a fost creatorul unui gen aparte de portret-biografie, în care viața lungă a unei persoane și lumea sa interioară au fost dezvăluite în toată complexitatea și inconsecvența ei. Opera lui Rembrandt din anii 1650 este marcată în primul rând de realizările în domeniul portretului. În exterior, portretele acestei perioade se disting, de regulă, prin dimensiunile lor mari, forme monumentale și ipostaze calme. Modelele stau de obicei pe scaune adânci, cu mâinile pe genunchi și cu fața directă către privitor. Lumina evidențiază fața și mâinile. Aceștia sunt întotdeauna oameni în vârstă, înțelepți prin experiență îndelungată de viață, bătrâni și femei cu pecetea gândurilor sumbre pe față și munca grea pe mâini. Astfel de modele i-au oferit artistului oportunități strălucitoare de a arăta nu numai semnele exterioare ale bătrâneții, ci și imaginea spirituală a unei persoane. În portretele neobișnuit de incitante și pline de inimă ale lui Rembrandt, se pare că simți viața trăită de o persoană. Înfățișându-și rudele, prietenii, cerșetorii, bătrânii, de fiecare dată cu o vigilență uimitoare transmitea mișcările spirituale schimbătoare, tremurul viu al expresiilor faciale, schimbarea dispoziției.

Analiza muncii.

1. “ Întoarcerea fiului risipitor ”

La mijlocul anilor 1660, Rembrandt își finalizează cea mai pătrunzătoare lucrare, Întoarcerea fiului risipitor. Poate fi văzută ca un testament al omului Rembrandt și al artistului Rembrandt. Aici ideea că Rembrandt a servit toată viața sa își găsește cea mai înaltă, cea mai perfectă întruchipare. Și tocmai în această lucrare întâlnim toată bogăția și varietatea tehnicilor picturale și tehnice pe care artistul le-a dezvoltat de-a lungul multor decenii de creativitate. Zdrențuit, epuizat și bolnav, risipindu-și averea și părăsit de prieteni, fiul apare în pragul casei tatălui său și aici, în brațele tatălui său, găsește iertarea și mângâierea. Bucuria nemăsurată și strălucitoare a acestor doi bătrâni, care și-au pierdut orice speranță de a-și întâlni fiul, și fiul, cuprins de rușine și pocăință, ascunzându-și fața pe pieptul tatălui său, este principalul conținut emoțional al lucrării. În tăcere, șocați, martorii involuntari ai acestei scene au înghețat. Artistul se limitează la maximum la culoare. Imaginea este dominată de tonuri auriu-ocru, roșu-scorțișoară și negru-maro, cu o bogăție infinită a celor mai fine tranziții din această gamă zgârcită. O pensulă, o spatulă și un mâner de pensulă sunt implicate în aplicarea vopselelor pe pânză; dar chiar şi aceasta i se pare insuficientă lui Rembrandt. El aplica vopsea pe panza direct cu degetul (asa se scrie, de exemplu, calcaiul piciorului stang al fiului risipitor). Datorită unei varietăți de tehnici, se obține o vibrație crescută a suprafeței colorate. Vopselele ard acum, apoi scânteie, apoi mocnesc surd, apoi par să strălucească din interior, și nici un singur detaliu, nici măcar un singur colț al pânzei, nici măcar cel mai nesemnificativ, nu-l lasă pe privitor indiferent. Doar o persoană înțeleaptă cu o vastă experiență de viață și un mare artist care a parcurs un drum lung ar putea crea această lucrare genială și simplă. În Întoarcerea fiului risipitor nu se întâmplă nimic și nu se spune nimic. Totul a fost spus, regândit, suferit și resimțit cu mult timp în urmă, în anii îndelungatei așteptări, dar există bucuria întâlnirii, liniștită și strălucitoare... Întoarcerea Fiului Risipitor a fost ultima mare lucrare a maestru. 2. “ Danae ”

Când regele vechiului oraș grecesc Argos a aflat despre profeție, potrivit căreia era sortit să moară din mâinile fiului lui Danae, fiica sa, a închis-o într-o temniță și i-a repartizat o servitoare. Zeul Zeus a pătruns însă în Danae sub formă de ploaie de aur, după care a născut un fiu, Perseus.

Rembrandt începe să scrie pictura „Danaë” în 1636, la 2 ani după căsătoria sa cu Saskia van Uilenbürch. Artistul își iubește cu drag tânăra soție, deseori înfățișând-o în picturile sale. Nu a făcut excepție și „Danae”, scris de Rembrandt nu pentru vânzare, ci pentru casa lui. Pictura a rămas la artist până la vânzarea proprietății sale în 1656. Multă vreme a rămas un mister de ce asemănarea cu Saskia nu este la fel de evidentă ca în alte picturi ale artistului anilor 1630, iar stilul pe care l-a folosit pe alocuri seamănă mai mult cu creațiile unei perioade ulterioare a operei sale. Abia relativ recent, la mijlocul secolului al XX-lea, cu ajutorul fluoroscopiei, s-a putut găsi răspunsul la această ghicitoare. La radiografii, asemănarea cu soția lui Rembrandt este mai pronunțată. Se dovedește că tabloul a fost schimbat după moartea soției artistului (1642), într-o perioadă în care acesta se afla într-o relație intimă cu Gertier Dirks. Trăsăturile feței lui Danae din imagine au fost modificate în așa fel încât au combinat ambele femei preferate ale artistei. În plus, fluoroscopia a arătat că în imaginea originală era o ploaie aurie care se revarsa asupra lui Danae, iar privirea ei era îndreptată în sus și nu în lateral. Îngerul din capul patului avea o față care râdea, iar mâna dreaptă a femeii avea palma în sus.

În tablou, o tânără femeie goală în pat este iluminată de un flux de lumină caldă a soarelui care cade prin baldachin mișcat de o servitoare. Femeia și-a ridicat capul deasupra pernei, întinzându-și mâna dreaptă spre lumină, încercând să o simtă cu palma. Privirea ei încrezătoare este îndreptată către lumină, buzele ei ușor întredeschise într-un zâmbet pe jumătate. O coafură încâlcită, o pernă mototolită - totul sugerează că în urmă cu un minut, dezvăluindu-se într-o beatitudine somnolentă, o femeie a urmărit vise dulci în patul ei luxos. Danae a primit o caracterizare psihologică profundă și o gamă contradictorie a sentimentelor și experiențelor ei. „Danae”, datorită căruia i s-a dezvăluit lumea interioară secretă a unei femei, întreaga gamă complexă și contradictorie a trăirilor și experiențelor ei. „Danaë” este astfel un exemplu concret clar al formării celebrului psihologism rembrandtian. Pictura „Danae” este recunoscută drept una dintre cele mai bune lucrări ale artistului. 3. “ Lecția de anatomie de la Dr. Tulp ”

Identitățile celor două persoane din acest portret sunt cunoscute. Unul dintre ei este dr. Nicholas Tulp, care arată publicului structura mușchilor mâinii umane. Celălalt este un cadavru: Aris Kindt, supranumit Pruncul, numele său adevărat era Adrian Adrianzon. Bărbatul mort a rănit grav un gardian al închisorii din Utrecht și a bătut și a jefuit un bărbat din Amsterdam. Pentru aceasta, la 31 ianuarie 1632, a fost spânzurat și predat pentru o autopsie publică Breslei Chirurgilor din Amsterdam.

Astfel de lecții deschise de anatomie erau comune nu numai în Țările de Jos, ci și în toată Europa. Ele aveau loc doar o dată pe an, de obicei în lunile de iarnă, pentru a păstra mai bine corpul, erau de natură solemnă și durau de obicei câteva zile. Spectatorii au fost colegi, studenți, cetățeni respectați și cetățeni de rând.

Portret de grup de breaslă

Autopsiile aveau loc în teatrele anatomice, care aveau o formă rotundă, cu rânduri în sus. Masa cu cadavrul, stând în centrul teatrului, era clar vizibilă din orice loc. Despre Amsterdam Teatrum Anatomicum se știe puțin, Rembrandt a marcat-o doar pe pânza sa. O cameră plină de spectatori poate fi imaginată în locul observatorului.

Tulpa are un rang mai mare în comparație cu restul personajelor, doar el este înfățișat în poză într-o pălărie. Cel mai probabil, restul fraților din magazin nu au studii academice. Poate că au finanțat în comun această imagine - un portret de grup a servit pentru a-i glorifica pe cei înfățișați pe el și a decora reședința breslei.

Rembrandt a descris personajele pe pânza sa diferit de predecesorii săi. De regulă, ei au fost înfățișați stând în rânduri și privind nu la corp, ci direct la privitor. Artistul i-a înfățișat pe chirurgi în profil sau în jumătate de tură și i-a grupat sub forma unei piramide, iar personajul principal nu este situat în vârful ei.

În plus, el subliniază în mod deliberat interesul real al publicului. Doi oameni s-au aplecat în față, postura și privirea lor indică faptul că cu siguranță vor să vadă totul cât mai aproape și cât mai precis posibil, în timp ce este greu de crezut că ambii chirurgi au fost cu adevărat duși de acțiunea ceremonială în desfășurare și încearcă să-și satisfacă științifice. interes. Este puțin probabil ca publicul să stea atât de aproape de scenă, Rembrandt a concentrat ceea ce se întâmpla într-un spațiu îngust, înconjurând mortul cu o atenție intensă și cu viață.

Autopsie

În mod surprinzător, autopsia a început din mână. De obicei, chirurgii au deschis mai întâi cavitatea abdominală și au scos organele interne. 24 de ani mai târziu, Rembrandt a pictat pânza „Lectura despre anatomia doctorului Deiman”, care înfățișează un corp cu cavitatea abdominală deschisă - conform canoanelor existente atunci.

Acest lucru s-ar putea datora a două motive. Primul este un omagiu adus lui Andreas Vesalius, fondatorul anatomiei moderne, care a devenit faimos pentru studiul său asupra anatomiei mâinii. Al doilea este că, înfățișând o mână, artistul ar putea aduce mai ușor un mesaj religios tabloului. Așa cum tendoanele guvernează mâna, Dumnezeu guvernează oamenii. Știința trebuia să demonstreze oamenilor puterea lui Dumnezeu.

Dr. Nicolae Tulp

Numele real al doctorului Nicholas Tulp era Klaus Pietersohn, s-a născut în 1593 și a murit în 1674. Numele de familie Tulp provine din casa părintească, unde odată exista o licitație pentru vânzarea de flori.

Tulp a aparținut vârfului societății din Amsterdam, de mai multe ori a fost primarul orașului Amsterdam. La momentul scrierii pânzei, era membru al consiliului orășenesc și era prelector (președintele) breslei chirurgilor. Tulp a fost medic practicant în Amsterdam, anatomia fiind unul dintre domeniile în care s-a specializat. Rembrandt și-a subliniat poziția specială, înfățișându-l în afară de chirurgii așezați unul lângă celălalt. În plus, artistul l-a înfățișat pe Tulpa ca fiind singurul care poartă o pălărie - în interior, a avea privilegiul de a purta o coafură a fost întotdeauna un semn de apartenență la înalta societate.

Corpul lui Aris Kindt

Artiștii dinaintea lui Rembrandt înfățișau de obicei chipul defunctului cu o batistă acoperită sau o persoană care stătea în fața lui. Observatorii au trebuit să uite că în fața lor se află un bărbat care este dezmembrat în fața ochilor lor. Rembrandt a venit cu o soluție intermediară - și-a descris fața pe jumătate acoperită cu o umbră. Jocul tipic al lui Rembrandt asupra contrastului de lumină și umbră, parcă vizibil în amurg ombra mortis- umbra morții.

Deși Doctor Tulp este personajul central, corpul lui Aris Kindt ocupă o suprafață mai mare pe pânză. Lumina principală cade și asupra lui, goliciunea și rigiditatea lui îl deosebesc de oamenii înfățișați în imagine. Se pare că Rembrandt abia atunci i-a înfățișat atât de aproape pe chirurgi și a dat pânzei o asemenea dinamică pentru a sublinia imobilitatea corpului, pentru a-i face palpabilă moartea.

Concluzie.

Moștenirea creativă a maestrului este uriașă, Rembrandt a fost incredibil de eficient: a creat peste 250 de picturi, 300 de gravuri și 1000 de desene. Artistul a murit în sărăcie, dar după moartea sa, opera sa a devenit extrem de valoroasă.

Opera lui Rembrandt a avut un impact uriaș asupra dezvoltării artelor plastice mondiale. Lucrările sale se află astăzi în multe muzee din întreaga lume și în colecții private. Și în Olanda, ziua de naștere a lui Rembrandt - 15 iulie - este sărbătorită ca sărbătoare națională.

Artistul a ridicat artele plastice la un nou nivel, îmbogățindu-l cu un inedit

Vitalitate și profunzime psihologică. Rembrandt a creat un nou limbaj pictural, în care rolul principal a fost jucat de tehnici fin dezvoltate de clarobscur și bogate,

colorare emoțională.