Imagine artistică în proiectarea obiectelor de mediu cultural și de viață chepurova olga b. Imaginea proiectului ca categorie de bază a designului

Trusov Yu.V.

La problema imaginii artistice în designul interior

(revizuit)

Adnotare:

Articolul discută specificul conceptului de „imagine artistică” în relație cu designul interior, oferă rezultatele unei analize a interioarelor unui număr de stiluri artistice (gotic, baroc, clasicism, modern), identifică metode și tehnici de formare. o imagine interioară într-un anumit stil.

Cuvinte cheie:

Imagine artistică, reflecție, formă, conținut, asocieri, design, interior.

La o problemă de imagine artistică în proiectarea unui interior.

În articol se ia în considerare specificul conceptului „imagine artistică” cu referire la designul unui interior, rezultă rezultatele analizei interioarelor unor stiluri de artă (stil gotic, baroc, clasicism, stil modernist), ies la iveală metode și recepții de formare a unei imagini a unui interior în limitele unui stil sau al unuia.

O imagine artistică, o reflecție, forma, întreținerea, asocierile, designul, un interior.

În Rusia modernă, interiorul este una dintre zonele de activitate profesională în curs de dezvoltare dinamică în domeniul designului. Astăzi, există o cerere destul de mare în societate pentru dezvoltarea și crearea de noi obiecte de interior (interioare pentru cafenele și restaurante, apartamente și birouri, magazine etc.). Organizarea spațiului lor trebuie să îndeplinească cerințele de oportunitate, fiabilitate, comoditate, pe de o parte, și integritatea impresiei artistice, pe de altă parte. Conceptul de imagine artistică ca formă de reproducere, interpretare și dezvoltare a vieții prin crearea de obiecte care influențează estetic este direct legat de arta interioară.

În Marea Enciclopedie Sovietică din 1974, se remarcă că sub aspect ontologic, imaginea artistică este un fapt de ființă ideală, un obiect construit deasupra substratului său material. În același timp, el este într-o anumită măsură indiferent față de materialul sursă, dar folosește posibilitățile imanente ale acestuia ca semne ale propriului său conținut. Adică, sub aspectul semiotic, imaginea artistică acționează ca un semn, un mijloc de comunicare în cadrul unei culturi date. De fiecare dată este reimplementat în imaginația destinatarului, care deține „cheia”, „codul” cultural pentru identificarea acestuia.

În aspectul epistemologic, imaginea artistică este ficțiune, iar în aspectul estetic, este un organism în care nu există accidental sau de prisos și care dă impresia de frumos tocmai datorită unității perfecte și semnificației ultime a părților sale.

Aspectele alese ale imaginii artistice demonstrează implicarea acesteia în multe domenii ale cunoașterii și ale ființei în același timp, care sunt legate de problemele esențiale intrinseci ale designului. Este strâns legat de conținutul obiectelor sale. Deci, în special, conținutul dorit al obiectelor de interior este determinat în mare măsură de imaginile care apar în mintea designerului ca spirit spiritual.

material de expresie estetică. Ca urmare a celor spuse, imaginea poate fi considerată ca rezultat al imaginației și, în același timp, obiectul intern al imaginii.

Printr-o reprezentare figurativă se stabilește o legătură între forma materială plastică și baza ei emoțională, legătura dintre organizarea exterioară a formei și conținutul acesteia. O mare contribuție la teoria imaginii s-a adus în dezvoltarea științifică a Departamentului de Teoria și Istoria Proiectării al VNIITE, condus de S.O. Han - Magomedov. În special, colecția „Construcție, funcție, imagine artistică în design” (1980) este dedicată problemelor imaginii artistice în design.

probleme generale teoretice și artistico-compoziționale în cadrul temei luate în considerare.

Deci, în special, G.L. Demosfenova în articolul „Despre problema imaginii artistice în design” notează că „imaginea este un mijloc de gândire, o formă mentală, legată de obiecte, generată de conștiința noastră în procesul de ciocnire cu realitatea. Imaginea există în spațiul „reprezentat”, care are propria geometrie și conexiuni temporale. Autorul consideră designul ca un fel de activitate artistică, referindu-se conștient la forma unui lucru ca expresie a unor semnificații. „Activitatea de creare a limbajelor figurative, asociată cu căutarea mijloacelor plastice de exprimare a imaginii în material, o numim activitate artistică, imaginea care este rezultatul unei astfel de activități și exprimată în mod plastic este „imagine artistică” și o percepție aparte a realității, în care se generează imagini, corelate cu expresia lor plastică, percepția artistică a realității.

Figurativitatea obiectelor de design este construită pe baza unei reflectări generalizate, indirecte a tiparelor de viață, a designului unui lucru și a metodei de producere a acestuia. Mijloacele expresive folosite de designer dau naștere la o serie de asocieri, și nu la o analogie cu ceva anume. Imaginea obiectului de design nu ne trimite la unele fenomene ale realității care se află în afara designului, ci poartă o metaforă destul de complexă și uneori ambiguă.

Imaginea artistică în design a primit un loc important în „Metodologia designului artistic”, dezvoltată la VNIITE. În special, autorii cărții au remarcat că „în marea majoritate a deciziilor de proiectare, un efect artistic ridicat este obținut nu prin pictorialism, ci datorită pătrunderii profunde în esența unui lucru și întruchiparea acestei esențe într-o formă adecvată. " . Aceeași lucrare conține definiția imaginii artistice a unui obiect de design ca „: ... o unitate inseparabilă, întrepătrunsă de senzual și logic, concret și abstract, extern și intern, formă și conținut”.

Autorii „metodologiei” văd scopul activității de proiectare în faptul că, mizând pe o abordare figurativă, „de a recrea un tot armonios în proiect”, prin care se realizează un anumit proces comunicativ. În procesul de consum al unui lucru, sunt recreate conceptele de design (imaginea) acestui lucru. Consumatorul intră astfel într-un dialog cu autorul său. Lucrul devine un semn al unui context artistic holistic, o imagine a realității datorită mecanismelor de înțelegere a conținutului său.

O serie de lucrări de V.B. Barysheva, N.V. Voronova, G.L. Demosfenova, E.V. Zherdeva, A.V. Ikonnikova, G.G. Kurierova, E.N. Lazareva, V.F. Sidorenko, S.O. Khan-Magomedov și alții.

Rezumând numeroasele evoluții în această direcție, autorii dicționarului de design G.B. Minervin și V.T. Shimko, pe lângă conceptul de „imagine artistică” în domeniul designului, distinge și conceptele de „imagine în design” și „imagine a mediului”. Acești autori definesc o imagine în design ca o reprezentare emoțională și senzorială a scopului, sensului, calității și originalității unei opere de artă de design, o categorie de evaluare estetică a rezultatelor creativității designului. Imaginea din design, în opinia lor, este semnificativ diferită de cea similară

concepte în alte tipuri de artă, deoarece designul, pe de o parte, este strâns legat de conținutul pragmatic al rezultatelor activităților sale, pe de altă parte, nu pretinde în exterior să realizeze scopurile spirituale ale creativității artistice.

Al doilea concept de „imagine de mediu” este interpretat de G.B. Minervin și V.T. Shimko ca „o idee specifică a unui obiect de mediu, fixată în minte prin trăsăturile sale caracteristice și impresiile vizuale care transmit conținutul emoțional, estetic, spiritual al acestui obiect”. În mod similar, din punctul nostru de vedere, este posibil să se caracterizeze conceptul de „imagine” în raport cu interiorul, care face parte din mediul înconjurător, una dintre domeniile designului de mediu.

Designul creează un limbaj vizual special al formei, „limbaj vizual” (W. Gropius). În acest limbaj, proporțiile, iluzia optică, relațiile dintre lumină și umbră, golul și volumele, culoarea și scara devin semne. Omul ca ființă socială nu numai că percepe interiorul ca un spațiu organizat funcțional, dar îl înțelege și îl înțelege. Interiorul pentru el nu este doar un habitat, ci și semne care sunt o condiție necesară pentru comunicarea lui cu alte persoane. Orice unitate culturală, orice sistem social este întotdeauna în același timp un sistem de semne, pentru orice lucru, pornind de la propriul corp al unei persoane, mișcările și sunetele sale și terminând cu orice segment al lumii, poate fi în principiu un lucru social. , un lucru expresiv, adică nu numai un lucru , ci și un semn, un purtător de sens.

Expresia externă a conținutului artistic este forma operei. Conceptul de „formă” în sens larg este legat de conceptul de limbă.

Având în vedere problema imaginii în designul interior, considerăm de cuviință să evidențiem cele două componente ale acesteia: ideea ca componentă de conținut intern și forma ca ansamblu de mijloace expresive aduse la unitate.

O analiză a literaturii de specialitate, a materialelor muzeale și a practicii designerilor de interior moderni ne permite să evidențiem următoarele elemente ale formei interioare:

a) planificarea și organizarea volumetrică a spațiului interior al unei încăperi sau al unui număr de încăperi;

b) forma spațială și decorul gardului (soluție volum-plastică sau decorativă pentru pereți, podele, tavane; forma și decorul deschiderilor de ferestre și uși);

c) caracteristicile și organizarea sistemului de iluminat;

d) cantitatea, caracteristicile formei și decorului mobilierului, echipamentelor;

e) rolul și natura obiectelor de artă decorativă și aplicată, folosirea obiectelor de artă plastică și a operelor de artă decorativă și monumentală;

f) caracteristici ale schemei de culori a interiorului;

g) principalele materiale utilizate la interior.

Mijloacele expresive ale interiorului sunt simetria sau asimetria, proporționalitatea elementelor, ritmul, relațiile de scară cu o persoană. Aceste instrumente stau la baza limbajului și arhitecturii; au venit în interior tocmai din arhitectură. Dacă luăm în considerare specificul formării unei imagini-proiect artistice în designul interior, atunci elementele formei sale pe care le-am identificat mai sus ne permit să realizăm ideea autorului.

Analiza trăsăturilor formei interioarelor unui număr de stiluri istorice (gotic, baroc, clasicism, art nouveau) ne permite să urmărim relația dintre formă și imagine, să identificăm metode specifice de formare a imaginii artistice a unui obiect interior.

Deci, în interiorul gotic, pentru a crea o imagine de solemnitate, irealitate, „zborul sufletului dincolo de pământesc”, a fost folosit un nou tip de plan, ridicarea înălțimii bolților, distrugerea vizuală a planului pereților. . Ușurința și „aspirația în sus” sunt date interiorului de forma lancet a arcelor, deschiderilor de ferestre și uși, bolți și

folosind de asemenea profilarea stâlpilor de susținere și a bolților. Vitraliile, îmbogățind schema generală de culori monocrome a catedralei cu strălucire irizată, contribuie la întărirea efectului de „irealitate”.

În interioarele baroc, imaginea de „solemnitate magnifică”, grandoare și bogăție este creată prin utilizarea formelor de plan curbilinii, plasticitatea complexă a gardurilor (de la coloane la nișe); efecte luminoase; introducerea unui decor complex de elemente de gard, picturi monumentale; datorită formei, decorațiunii mobilierului și altor echipamente interioare; bogăția festivă de culoare.

În interioarele clasice, imaginea de „solemnitate strictă” și splendoare se formează datorită severității formelor planului, simetriei, proporționalității tuturor detaliilor; utilizarea în decorarea gardurilor a elementelor apropiate construcțiilor de ordin clasic din antichitate; linii clare și drepte sub formă de deschideri pentru uși și ferestre; iluminare calmă; culori dezactivate; forme clare și armonioase de mobilier și alte echipamente interioare.

Atmosfera de spirit evaziv și lirismul interioarelor „moderne” este creată de arhitecți folosind principii de planificare deosebite (spații curgătoare, asimetrii și așa mai departe); „forme actuale” de deschideri de ferestre și uși, mobilier și echipamente; utilizarea activă a formelor stilizate ale florei și faunei în decorul camerei; culori restrânse.

În cadrul stilului istoric, elementele formei interioare devin elemente ale unui limbaj vizual deosebit, adus la perfecțiune. Un designer de interior modern se confruntă constant cu sarcina de a găsi forme care au un anumit sens asociativ. În același timp, imaginea de „solemnitate strictă”, asociații de „ordine” și „disciplină” sunt solicitate astăzi în interioarele birourilor managerilor de diferite niveluri și clădiri administrative, precum și asociații la nivelul „armoniei nobile”. ”, „bun gust”, „bună educație” atrag utilizatorii de interioare private, apartamente și cabane. Unii dintre proprietarii lor ar dori să creeze o dispoziție lirică în interiorul cafenelei, iar „solemnitatea magnifică” este încă potrivită în interiorul palatului de nuntă și astăzi. Astfel, sistematizarea experienței istorice de utilizare a termenilor formei ca mijloc de rezolvare a problemelor figurative își propune să ia în considerare posibilitatea utilizării efective și rezonabile a acestor valori în proiectarea obiectelor de interior moderne.

Note:

1. Marea Enciclopedie Sovietică. T. 24. M.: Sov. Enciclopedie, 1974. 608 p.

2. Demosfenova G.L. La problema imaginii artistice în design. M., 1980 // Proceedings of VNIITE. Ser. estetica tehnica. Problema. 23. 140 p.

3. Tehnica designului artistic. M.: VNIITE, 1978. 336 p.

4. Design. Dicționar ilustrat de referință / G.B. Minervin, V.T. Shimko, A.V. Efimov [i dr.]. Moscova: Arhitectură, 2004. 395 p.

Designul a apărut în domeniul industriei în legătură cu dezvoltarea producției de masă în secolele XIX-XX. ca activitate creativă deosebită, în cursul căreia se depășește decalajul dintre frumos și utilitate, se șterge granița dintre artă și tehnologie. Designul este o activitate de proiect și este asociat cu un nou tip de cultură - cultura designului, unirea culturilor științifice, tehnice și umanitare. Design - proiectarea de obiecte materiale, de obicei produse de consum, pentru a satisface nevoile unui individ și ale unei societăți. Nevoie - nevoie conștientă sau inconștientă de anumite condiții sau obiecte pentru funcționarea normală a sistemului social sau a vieții umane. Pentru a înțelege esența designului, este necesar să se dea conceptul de „mediu subiect”. Mediul subiectului - acesta este un set de produse și complexele lor care înconjoară o persoană, utilizate de aceasta pentru a organiza procesele funcționale ale vieții și pentru a-i satisface nevoile materiale și spirituale.

Design - activitate de design creativ, al cărei scop este de a crea un mediu de subiect armonios care să satisfacă cel mai pe deplin nevoile materiale și spirituale ale unei persoane.

Designer- un specialist care lucrează în domeniul designului și oferă proprietăți ridicate de consum și calități estetice ale produselor și mediului obiect. Structura de proiectare include următoarele elemente:

1) subiectul activității de proiectare - proiectantul și consumatorul;

2) obiect de activitate de proiectare - proiect de design și produs de design;

3) mediu – diverse sisteme de activitate.

Obiectele de design pot fi produse industriale, elemente și sisteme ale mediului urban, industrial și rezidențial, informații vizuale. Îmbrăcămintea și elementele sale sunt aceleași obiecte de design (parte din mediul subiectului) ca mobilierul, vasele, uneltele, mașinile și avioanele. În acest fel, design vestimentar- una dintre domeniile de activitate de proiectare (alaturi de design industrial - domeniul ingineriei mecanice si instrumentatii, design de mediu, design grafic), al carui scop este proiectarea vestimentatiei ca unul dintre elementele mediului subiect care satisface cerintele corespunzatoare. nevoile materiale și spirituale ale unei persoane. Un obiect de design este un lucru utilitar care are un scop practic și, pe lângă o funcție estetică, precum operele de artă, îndeplinește multe alte funcții. Designerul creează lumea obiectivă, dar nu o reprezintă. Aspirația culturii designului către viitor, dinamismul acesteia, stabilirea de a proiecta o nouă imagine a lumii determină sarcina principală a designului - formarea de noi modele culturale ale lucrurilor, crearea de lucruri noi și nu versiuni „artistice”. a lucrurilor vechi. Prin urmare, designul vestimentar ar trebui să se concentreze pe proiectarea de noi funcții și calități ale îmbrăcămintei în funcție de stilurile de viață în schimbare și de nevoile oamenilor, mai degrabă decât de „decorarea” formelor tradiționale (care pot fi numite „îmbrăcăminte artistică”).

Deoarece îmbrăcămintea este un lucru sau o colecție de lucruri, îndeplinește funcțiile unui lucru:

1) utilitar-practic, asociat cu scopul unui lucru într-o anumită activitate umană;

2) adaptativ, care asigură o stare favorabilă a mediului pentru procesele vieții: confortul, capacitatea unui lucru sau a mediului de a facilita procesul de adaptare umană în lumea înconjurătoare (această funcție a unui lucru pare a fi deosebit de importantă din punctul de vedere al vedere asupra problemelor de mediu - mai multe despre asta);

3) un lucru rezultat legat de funcționarea socială, capacitatea acesteia de a contribui la realizarea scopurilor atât ale unui individ, cât și ale societății în ansamblu;

4) integrativ, legat de faptul că lucrurile combină și manifestă calitățile culturii în ansamblu: sens (sensul unui lucru este rolul său în procesul socio-cultural al vieții); tradiții; valori exprimate în material și formă. Lucrul este, prin urmare, o reflectare a modului de viață în general, hainele sunt o reflectare a imaginii unei persoane și a unui mod de viață.
Designul este, de asemenea, una dintre formele de comunicare de masă în societatea modernă, deoarece conectează producția și consumul prin comerț, reglează interacțiunea dintre cerere și ofertă și activitatea de cumpărare a consumatorului de masă. Designul este un regulator socio-cultural al societății de consum, necesar pentru funcționarea și reproducerea acesteia. Atunci când cumpără un produs, consumatorul dobândește nu doar un lucru pentru a-și satisface nevoile, ci și un simbol al unui anumit statut social. Designul, grație simbolismului obiectelor și formelor obiective, transformă produsul într-un purtător al anumitor semnificații socio-culturale, ceea ce este o condiție pentru vânzarea unui produs nou. Astfel, designul este una dintre formele de marketing, comunicare în masă între consumator și producător. „Considerat sociologic, designul este un sistem de gestionare a interacțiunii dintre industrie și piață într-o societate de consum de masă prin acordarea de simboluri de prestigiu, prosperitate, loialitate față de formele externe ale produselor. Considerat cultural, designul este o artă”
Unii teoreticieni ai designului văd designul ca o nouă formă de artă în timpurile moderne. La prima vedere, designul și arta aplicată au multe în comun, ale căror lucrări sunt lucruri care, pe lângă estetică, au și o funcție practică (de exemplu, vase, tapiserii, bijuterii). Prin urmare, costumul este considerat și ca obiect de artă aplicată. „O operă de artă aplicată poate fi considerată un lucru care îmbină meritele materiale și practice și artistice și estetice. Un costum care are valoare artistică este, fără îndoială, o operă de artă. Totuși. , există diferențe între design și artă: designul este axat pe rezolvarea de noi probleme dictate de nevoile reale ale unei persoane și ale societății, și nu pe crearea unei versiuni artistice a unui tip de produs deja existent, ca în arta aplicată. Designerul lucrează împreună cu designerul sau independent dezvoltă o soluție constructivă pentru un lucru nou, iar artistul aplicat își rezolvă sarcinile creative după ce inginerul construiește forma funcțională și tehnică a obiectului. În plus, designul este un tip special de artă care transformă lucrurile din utilizarea umană, produsele industriale în fenomene culturale. Principiul estetic este prezent nu numai în creativ în procesul de creare a unui lucru nou, dar și în produsul finit, care trebuie să fie integral. Atingerea integrității necesită de la designer nu numai abilități de cercetare, capacitatea de a analiza date și fapte științifice, ci și posesia imaginației creative, simțului estetic și fanteziei, care sunt caracteristice artistului. Mai mult, industria modernă devine un domeniu în care știința și arta pot interacționa. Natura integratoare a talentului creativ al designerului a fost exprimată în definiția sa de către designerul italian Ettore Sotsass: „Designer- este un artist, un meșter, un filozof.” Un designer ar trebui să fie un filozof pentru că, creând un proiect de produse pentru o persoană în concordanță cu nevoile și gusturile sale, proiectând lucrurile și mediul obiect în ansamblu, proiectează persoana însuși, aspectul, emoțiile, stilul de viață. Direct designerul proiectează un lucru, iar indirect - o persoană și societate. Scopul real al designului este de a proiecta o persoană, aspectul său, modul său de viață, prin urmare conceptul de imagine a unei persoane, conceptul de societate, ar trebui să stea la baza proiectului.

Analiza conținutului conceptului de „configurare compozițională în proiectare”, în subsecțiunea. 5.1-5.3, care relevă esența modelării artistice și a designului, conexiunile în sistemul principalilor săi factori, precum și rolul compoziției ca instrument de armonizare a structurii și formei obiectelor de design, este logic să se completeze prin identificarea esența conceptului de „imagine artistică a obiectelor de design”, deoarece caracterizează unul dintre principalele obiective compoziții.

Acest concept a fost menționat în mod repetat în această lucrare: atât în ​​legătură cu luarea în considerare a metodei principale de proiectare, cât și a imaginii de design, și a valorii estetice (împreună cu valoarea artistică), și a funcțiilor de design (comunicativ și artistic), și a designului. sarcini datorită funcțiilor sale transformative, artistice și educaționale și, în final, în identificarea diferitelor aspecte ale frumuseții care caracterizează perfecțiunea estetică ca urmare a armonizării obiectului de design prin mijloace și metode de compoziție.

Utilizarea sistematică a acestui concept se datorează faptului că ideea unei imagini artistice pătrunde atât în ​​metoda creativă, cât și în procesul, și rezultatul designului de design, axat pe percepția estetică a produsului de design. Cu toate acestea, doar menționarea unui concept integrator atât de complex ca „imagine artistică în design”, fără a-i identifica conținutul și modelele de formare, cu siguranță nu este suficientă.

Este necesar să se dezvăluie esența acestui concept în legătură cu conceptele de „valoare artistică”, „semnificația culturală a obiectelor de design”, „funcția de semn a unui lucru”, „stil în design”. Și, de asemenea, pentru a arăta cum se realizează formarea imaginii artistice a obiectelor de design în procesele de obiectivare a conceptului artistic, existența obiectivă a unui lucru și dezobjectificarea sensului său cultural de către subiecții percepției estetice.

Frumos și folositor, estetic și artistic, începuturile concret-materiale și simbolico-figurative sunt strâns legate între ele în design. Valorile estetice în munca designerului sunt inseparabile de problemele culturale și sociale generale.

Valorile de diverse feluri se manifestă în unitatea obiectivului și subiectivului, în corelarea lucrurilor și nevoilor, în situații care determină apariția unei relații valorice. Valoarea este întotdeauna mediată de proprietățile obiective ale obiectului evaluat. Dar, în același timp, nu se poate manifesta fără un subiect cu nevoile, atitudinile, scopurile sale, care determină una sau alta atitudine față de obiectul unei relații valorice. Semnificația pozitivă sau negativă a unui obiect, exprimată în valoarea sa pentru subiect, este determinată nu de proprietățile obiectului în sine, ci de corelarea acestor proprietăți cu interesele și nevoile individului, micro și macrogrupurilor societății. în situaţii şi sfere specifice ale vieţii oamenilor.

Valoarea acţionează ca o formă obiectivă de manifestare a relaţiilor sociale. De aici rezultă caracterul istoric specific al valorii și dependența acesteia de principalele grupuri de factori ai progresului social (științific și tehnic, socio-economic și socio-cultural) în relația lor.

În lumea valorilor, valorile estetice și artistice sunt categorii de un fel aparte, asociate cu forma de existență a unui obiect, legate de un anumit conținut semnificativ din punct de vedere cultural, considerat ca o formă semnificativă. O astfel de formă este întotdeauna integrală, deoarece se bazează pe totalitatea informațiilor disponibile despre obiect.

Această integritate include indirect proprietățile obiective ale structurii funcționale și constructive a obiectului, care primesc înțelegere și refracție artistică și figurativă în conformitate cu nevoile și scopurile istorice specifice. În același timp, obiectul este perceput în două moduri: pe de o parte, în realitatea sa materială obiectivă și esența utilitarist-tehnică, iar pe de altă parte, în esența sa simbolică și comunicativă, ca purtător al principiului spiritual, ca simbol, semn al unui anumit sens cultural.

Valorile estetice și artistice sunt apropiate unele de altele, interconectate, dar nu identice. Aceste două tipuri de valori înrudite diferă nu numai prin amploarea distribuției, ci și prin conținutul lor. Valoarea estetică poate avea o varietate de lucruri și structuri create de oameni (sub rezerva nevoii determinate socio-cultural de comunicare umană), natura din jurul unei persoane, diferitele sale obiecte și fenomene, persoana însăși, diferitele sale activități, stilul de viață și stilul de viață. . Toate acestea sunt domenii ale valorilor estetice.

Sfera valorilor artistice se limitează la opere din lumea artelor, diverse tipuri și genuri de creativitate artistică. Condiția apariției valorii artistice este crearea și funcționarea, existența operelor de artă (spațială, temporală? x și spațiu-timp?? x). Valoarea artistică a operelor de artă este determinată, pe de o parte, de capacitatea artistului de a atinge profunzimea și strălucirea reflectării personale figurative originale a realității în opera sa și, pe de altă parte, de capacitatea sa de a stabili comunicarea cu cei către care sunt orientate creațiile sale pentru a influența spiritual sentimentele și gândurile oamenilor.(atât contemporanii cât și urmașii acestora).

Este activitatea estetică a individului îndreptată către întreaga lume nemărginită a obiectelor percepute senzual? vizibil, audibil și imaginat de oameni. Conștiința artistică este îndreptată doar către operele de artă ca purtători reali de valoare estetică. Întrucât forma de conținut a unui obiect este purtătoarea valorii estetice, operele de artă au și valoare estetică. Considerate în conținutul și integritatea lor formală, în unitatea nu numai a valorilor estetice, ci și a altor valori ale ființei, operele de artă își dobândesc valoarea artistică inerentă, care caracterizează plenitudinea semnificației lor pentru subiect. Valoarea artistică este rezultatul interacțiunii dintre semnificațiile valorice estetice și non-estetice ale operelor de artă.

Între frumusețe și expresivitatea figurativă a lucrurilor? obiecte de design? nu poate exista o graniță ascuțită: informativitatea și valoarea artistică includ în mod necesar estetica ca componentă și sunt imposibile fără ea. Însăși trecerile de la frumusețe și grație la expresivitatea figurativă sunt treptate, netede, „spectrale”. Adesea, oamenii cu un gust artistic foarte dezvoltat, și nu doar estetic, dezvăluie imagini artistice în care alții simt doar meritele estetice ale obiectului.

Activitatea unui designer (precum și a unui arhitect) se poate limita la a acorda unui obiect utilitar doar o valoare estetică, sau se poate ridica la rezolvarea unei sarcini mai complexe - formarea imaginilor artistice și, în consecință,? valoare artistică.

Desigur, valoarea artistică nu este întotdeauna necesară în mediul subiect al unei persoane. În unele cazuri, este suficient ca lucrurile și structurile să aibă o anumită valoare estetică pentru a îndeplini eficient funcțiile de armonizare a mediului. În alte cazuri, este necesar ca obiectele de design (arhitectură) să devină în același timp purtătoare de semnificații artistice în scopul înțelegerii artistice și figurative a rolului lor cultural în diferite situații ale vieții oamenilor. Diferența dintre aceste situații este determinată de sarcinile pe care proiectanții le stabilesc în funcție de esența utilitară și tehnică a obiectelor care funcționează și sunt percepute într-un anumit mediu spațial.

Cu cât sunt mai puține oportunități de percepție estetică concentrată și de înțelegere spirituală a obiectelor în procesul de utilizare a acestora, cu atât este mai puțină necesitatea de a le oferi valoare artistică, adică sens artistic și figurativ. Cu concizie, percepție estetică episodică intenționată a unui obiect, este suficientă armonizarea sa estetică formală, implementată pe baza principiilor de compoziție, urmând a se asigura realizarea frumuseții unei structuri și forme armonios organizate.

Cu cât un obiect al creativității designului este conceput mai mult pentru contemplarea și înțelegerea sa spirituală, cu atât mai largi sunt posibilitățile de organizare a unei atmosfere spirituale corespunzătoare unei anumite situații și mediului de viață, care se realizează prin acordarea obiectului de un sens artistic și figurativ, de profunzimea și tăria cărora fac din lucru (structura) un purtător de valoare artistică.

Multe tipuri și tipuri de produse de uz casnic (cum ar fi vehicule personale, mobilier, lămpi, vase, ceasuri, telefoane, echipamente audio și video, cărți, reviste, haine, lenjerie, pălării, pantofi, textile, jucării, suveniruri, decorațiuni ale unei persoane și o locuință) poate avea individual nu numai valoare estetică, ci și artistică (precum și multe obiecte de design care nu au o gospodărie individuală, ci un scop public). Oportunități mult mai mari de realizare a imaginilor artistice sunt oferite designerilor prin decoruri, ansambluri, sisteme subiect-mediu și subiect-procedural concepute pentru funcționarea și percepția în diferite sfere ale vieții oamenilor. Impactul emoțional al imaginilor artistice ale unor astfel de obiecte de design complexe (precum și arhitectură) este nemăsurat mai puternic decât obiectele individuale cu valoarea lor artistică locală.

După cum sa menționat deja în sect. 1.4, identificarea în imaginea artistică a unui lucru a esenței sale utilitarist-tehnice este o înțelegere a conexiunilor interne inerente lucrului însuși ca obiect al unei relații de valoare. În timp ce expresia semnificației sale socio-culturale pentru subiect este înțelegerea totalității proprietăților spirituale și valorice care reflectă relațiile externe ale unui lucru în sistemul cultural.

Designul artistic și figurativ se concentrează pe reflectarea semnificației culturale a unui lucru într-o imagine de design. În formarea compozițională a unui obiect de design, formarea sensului este unul dintre aspectele cheie ale rezolvării unei probleme de design pentru a obține armonia formei și esența duală a unui lucru.

„Sensul principal al unui lucru este rolul său, pe care este chemat să-l îndeplinească într-un context socio-cultural holistic al vieții. Modelarea semnificației principale în imaginea de design a unui lucru este atât tema dezvoltării designului, cât și esența procesului de formare a sensului. Designerul modelează în imaginația sa poziția și lumea viitorilor consumatori ai obiectului proiectat. Imaginea artistică a unui lucru creat de un designer este rezultatul unui dialog mental între designer și consumatorul viitorului lucru.

Pentru a rezolva problema transformării obiectului proiectat într-un anumit tip semantic, designerul folosește o serie de mijloace figurative, cum ar fi metafora, metonimia, simbolul, alegoria, omonimul și sinonimul. Utilizarea unor astfel de mijloace de formare a sensului oferă designerului posibilitatea de a dezvălui semnificațiile socio-culturale ascunse ale obiectului de design.

În subsecțiunea 2.2 din lucrarea citată, dedicată designului artistic și imaginativ, folosind exemple specifice, utilizarea diferitelor mijloace de formare a sensului este luată în considerare în detaliu, în funcție de metoda de căutare a ideii proiectului.

Atunci când se corelează un lucru proiectat cu un model cultural, pe baza asemănării semnificațiilor principale, pot fi folosite ca mijloace figurative metafora (eșantion? lucru), simbol (eșantion - formă de viață), omonim (eșantion - formă de artă). .

La corelarea unui lucru cu mediul, metonimia (mediul subiectului), alegoria (mediul valoric-semantic), sinonimul (mediul formelor expresive) pot fi folosite ca mijloace figurate.

Din punctul de vedere al semioticii, procesul creativ se încheie cu întruchiparea ideii într-un text literar. Un astfel de text este un sistem de semne în care informațiile artistice sunt „codificate”. Pe baza semnificației conținute în aceste informații se formează formațiuni non-semnale - imagini artistice.

Diferite tipuri de arte au propriile lor limbaje și transmit informații artistice prin sistemul lor de semne. Sistemele de semne inerente tipurilor și genurilor de arte, precum și operelor acestora, oferă posibilitatea de comunicare, comunicare a subiecților prin și despre obiecte - lucrări de creativitate artistică (inclusiv design).

Specificul designului (ca arhitectură), așa cum este menționat în subsecțiune. 1.2, spre deosebire de operele de artă plastică, precum și de literatură, teatru, cinema, care înfățișează lumea din jurul lor din punctul de vedere al concepțiilor creative ale autorilor lor, nu este o imagine, ci o expresie a esenței obiectului proiectat, a acestuia. scop, sens cultural pentru anumite grupuri de consumatori, ținând cont de idealurile valorice, dorințele, preferințele acestora.

Conturarea compozițională, axată pe atingerea perfecțiunii estetice a obiectului proiectat, bazată pe expresivitatea artistică a unei forme armonios organizate, presupune formarea unei caracteristici stilistice a unei lucrări de design. Stilul unui lucru se manifestă în unitatea naturală, certitudinea și consistența naturii elementelor formei și demonstrează fie asemănarea aspectului său cu lucruri înrudite, analogi, prototipuri, fie diferența față de acestea, precum și față de lucruri. de alt fel, a cărei formare se bazează pe alte legi artistice.

„Stilul în design (ca una dintre formele culturii) este unitatea naturală a tuturor elementelor formei produsului (ansamblu, complex, sistem, ansamblu, mediu), întruchipată într-un anumit sistem de trăsături caracteristice stabile, furnizate de comunitatea. a tehnicilor compoziționale aplicate care formează imaginea artistică a unei lucrări de design” .

Stilul este un standard estetic de organizare a unui anumit caracter. Procesul de formare a stilului în design este dorința unei forme obiective moderne de întruchipare a idealului într-o anumită imagine artistică caracteristică a unui lucru.

Imaginea artistică este realizată în stilul unei lucrări de design, întruchipată în trăsăturile stilistice ale formei sale, reflectând, pe de o parte, trăsăturile utilitar-tehnice, iar, pe de altă parte, componenta socio-culturală a acesteia. esenta.

Formarea figurativității artistice a obiectelor de design se realizează în procesul de obiectivare a ideii artistice, design, existență substanțială a acestor obiecte, iar apoi de-obiectivizarea, dezvăluind sensul cultural al informației artistice conținute în imaginea artistică întruchipată. a lucrării de proiectare.

Semnificația, sensul imaginii artistice, care stă la baza conceptului de design, este inițial obiectivat în proiectarea obiectului prin mijloace și tehnici de compoziție selectate profesional și aplicate creativ.imagini demonstrative ale obiectului și documentația desenului, precum și ca machete tridimensionale, modele, mostre ale autorului. Deobiectivizarea acestuia are loc în procesul de analiză și evaluare a proiectului de către autor însuși (autoevaluare), colegi profesioniști, reprezentanți ai clientului proiectului sau membri ai juriului comisiei de concurs (dacă proiectul a fost realizat pe bază de concurs), precum și juriul comisiei de expoziție și publicul dacă proiectul a fost expus la expoziție.

În al doilea rând, procesele de obiectivare a imaginii artistice a viitorului lucru întruchipat în materialele de design sunt efectuate atunci când proiectul de design este introdus în producție, în toate etapele de materializare în mostre reale ale muncii de creativitate de proiectare.

Forma subiect a existenței rezultatului implementării unui proiect de proiectare este mai întâi prototipuri de produse, apoi mostre dintr-un lot experimental și, în final, producția în serie. Iar procesele de deobiectivizare a imaginii artistice a unui produs de design concretizat în lucruri reale se produc odată cu percepția estetică a produselor introduse în producție în diferite situații: în producție însăși; în diverse forme de prezentare, demonstrație de produse (la expoziții, târguri, concursuri, saloane etc.); în domeniul comerțului; și, în sfârșit, în sfera consumului – atât de către consumatorii înșiși ai produsului de design, cât și de către alte subiecte de atitudine estetică.

Și cu cât imaginea artistică întruchipată a produsului de design corespunde mai mult cu idealurile, atitudinile, preferințele valorilor estetice de grup și individuale emergente semnificative universal, cu atât rezultatul impactului socio-cultural al imaginii artistice a produsului de design poate fi mai de succes. considerată.

reprezentarea obiectivă ideal-senzorială a semnificațiilor și ideilor care iau naștere în procesul de formare a conceptului de obiect de mediu complex; model artistic al conceptului de astfel de obiecte.

Imaginile ca calitate a gândirii de design atrage din ce în ce mai multă atenția cercetătorilor, în special în design. O serie de concepte noi au apărut aici, de exemplu, „modelare figurativă”, „tip de imagine”, etc., dezvăluind mecanismul gândirii de design. Studiul problemei figurativității artistice a mediului are o anumită semnificație metodologică pentru arhitecții și designerii practicieni care se străduiesc să se asigure că lucrările lor sunt cu adevărat artistice și evocă experiențe estetice adecvate.

Bazele abordării figurativ-tipologice au fost puse la sfârșitul anilor 60 ai secolului XX într-o serie de lucrări despre metoda designului artistic, unde specificul formării unei imagini design-artistice în design a fost relevat prin analogie. cu o imagine tipică în artă. Mai târziu, la dezvoltarea ideilor de programare a designului, esența acestei abordări a fost clarificată - a fost asemănată cu un „ciclu zero” în procesul general de proiectare artistică. Această abordare se bazează pe căutarea unui tip de imagine, care este o metaforă de design și artistică care exprimă un model artistic ideal pentru organizarea obiectelor de mediu și de design.

În conceptul standard de modelare a sistemelor proiectate, planul principal al modelului este determinat prin caracteristicile medii ale comportamentului uman în mediul obiect-spațial. Modelul conceptului de „program” este diferit: planul semantic este indicat aici de mediul existenței ideale a unui obiect, format prin identificarea tipului-imagine a acestuia, subiectul - prin ansamblu, formalul - prin organizarea ansamblul cu ajutorul „limbajului” sau „limbilor” proiectării arhitecturale și de design.

Această idee mai întâi intuitivă, apoi îmbogățită prin studii de pre-proiect și design, a caracteristicilor sociale, emoționale, artistice și obiect-spațiale ale anumitor unități de mediu, reflectă prin conținutul artistic totalitatea cerințelor societății pentru calitatea unui mediu. obiect. Imaginea tip este fixată în recomandări, urări, descrieri adresate imaginației echipei de proiectare. Ambiguitatea incontestabilă a acestui fenomen servește drept garanție a diversității posibilelor soluții de proiectare. Pe de altă parte, convingerea artistului, stabilitatea atitudinilor creative, fixate în tipul ideologic, asigură consistența și eficacitatea designului. În mod evident, formarea corectă a unei imagini de tip este veriga principală în lucrarea privind conceptul de design al sistemelor de mediu - o legătură fără de care nici continuitatea reprezentărilor figurative ca bază pentru supraviețuirea unei noi culturi, a unei noi societăți, nici inovație - noutatea soluțiilor de arhitectură și design.

PICTOR -un specialist în domeniul creativității artistice, o persoană capabilă să descopere valorile plastice și figurative din jurul său, capabil să vadă, să atingă, să simtă ritmul, culoarea, textura, structura ordinii mondiale.

H.-profesional este un fenomen contradictoriu, ambivalent: ca x. el trebuie să fie deschis către lume, eliberat de formule de percepție gata făcute, trebuie, ca și când nu știe nimic, să creeze un limbaj, o formă de exprimare de fiecare dată din nou, pentru prima dată; ca profesionist, trebuie să înțeleagă sarcinile pe care le stabilește realitatea și să le poată rezolva, adică. au cunoștințe și abilități. Kh.-profesional (arhitect, designer) este una din două persoane - deschis ca artist, inteligent și priceput ca meșter. Designul artistic, designul arhitectural, designul artistic sunt genurile subiectului-creativitatea artistică de astăzi, care s-au alăturat în mod firesc seriei numite tradițional creativitate artistică, unde X., „fiind un acceptor al sentimentelor, indiferent de unde provin acestea - din rai, din pământ, dintr-o bucată de hârtie care a trecut prin mintea unei persoane, sau o rețea ”(P. Picasso), își dă seama de ființa sa.

EVOLUȚIA DESIGNULUI -treptată, în procesul de acumulare continuă a schimbărilor cantitative private în tehnologie, limbaj artistic, relații cu industria și consumatorii, o transformare calitativă a sarcinilor, metodelor și a produsului final al activității de proiectare(cf. " Istoria designului).

La începutul secolului al XX-lea, designul, acționând ca un succesor al lucrării de creativitate decorativă și artistică în condițiile producției industriale dezvoltate și saturarea pieței serviciilor cu sisteme de echipamente moderne pentru condițiile spațiale ale vieții umane, sa stabilit. sarcina de a izola munca de proiectare într-un domeniu de activitate independent și de a îmbina obiectivele pragmatice și artistice ale modelării designului - produse într-o formă convenabilă pentru producție.

Acest program s-a desfășurat sub deviza transformării categoriei „beneficiu” cu ajutorul instrumentelor de design de design într-un fenomen estetic, în categoria „frumusețe”. Eficacitatea principiilor de separare a sferelor de design și artistice, cererea de echipare a mediului inventată de artiști-designeri au făcut din design forma de artă de vârf a epocii, răspândindu-și ideologia în toate sferele culturii. Și, în același timp, a dus la schimbări importante în propria sa structură și ideologie.

În primul rând, designul a intrat ferm în familia altor arte, deoarece influența socială cumulativă a deciziilor sale individuale determină de fapt conținutul spiritual al modului nostru de viață extrem de pragmatic. Dar el a reușit acest lucru, parcă treptat, după ce a cucerit piața și mințile omenirii „consumătoare”, incluzând astfel propriile sale mijloace – anonimatul, replicarea, legitimarea nevoilor „scăzute” – în arsenalul mijloacelor de artă în general. .

În al doilea rând, designul și-a extins sferele de influență propunând un nou concept în locul clasicului slogan „util ar trebui să fie frumos” - „frumos este util”, proclamând ideile de „estetizare totală” a lumii relațiilor umane. Astăzi, aceste idei au o colorare tehnogenă limitată, dar extinderea activă a normelor estetice ale activității de proiectare, includerea tendințelor regionale și a formelor amatoare în sfera sa va da un nou impuls dezvoltării posibilităților artistice prin design, care sunt profesioniștii. încă doar bâjbâind după. Această tendință este susținută și de procesele de restructurare radicală a bazei de producție a creativității designului, trecerea de la principiile „forma trebuie să îndeplinească tehnologia disponibilă industriei” la conceptele unei societăți post-industriale, unde „tehnologia trebuie să fie capabil să reproducă eficient orice formă concepută de un artist și utilă unei persoane.”

În al treilea rând, expresivitatea și prevalența din ce în ce mai mare a culturii designului de masă duce la transformarea multor norme și prevederi ale istoriei artei - de la schimbarea sensului categoriei „imagine artistică” la extinderea interpretării principiilor sintezei artei, care includea proiectare inginerească, obiecte de serviciu etc.compoziții de peisaj. Are loc o formare și o întărire a culturii designului (a treia după formele sale materiale și spirituale), formată în întregime datorită dezvoltării conținutului artei designului.

Dacă ne imaginăm istoria designului ca o schimbare a obiectului său de bază, atunci se dovedește că începutul său (în cuvintele lui A. Rapoport - „Primul design”) este proiectarea prin excelență. lucruri singure - produse, dispozitive, mașini, capace etc. În timp ce „Al doilea Design”, începând cu anii 60 ai secolului trecut, este dedicat formării medii - complexe și ansambluri de subiecte, armonios legate de trăsăturile situațiilor arhitecturale.

Care va fi următoarea fază a E.D., ipoteticul „Al treilea Design”? Se pare că acumulările profesionale ale etapelor anterioare permit designului să treacă la o nouă rundă de creativitate artistică - asimilarea imaginativă ideologică și morală a realității, care reface atât lumea, cât și persoana care trăiește în ea.

Cu alte cuvinte, astăzi arta se află în pragul unei noi ere, când se va transforma dintr-o formă de conștiință care evaluează drumul parcurs de omenire într-o forță care își inițiază progresul către o sinteză cuprinzătoare a realului și idealului în plan global. și treburile și realizările de zi cu zi.

Design de mediu:

a - „House over a waterfall” (F.L. Wright) - o imagine a unității componentelor antropice și naturale ale mediului în exterior; b- interiorul unei clădiri bancare

PROIECTARE DE MEDIU (Eco-Design) -zona activității de proiectare complexă, urmărind implementarea în obiectele proiectate de convergență a cerințelor mediului natural și culturii, ceea ce face necesară luarea în considerare a valorilor dobândite de generațiile anterioare de oameni în sfera relației dintre om și natură [cm. Modelarea ecologică.

Imaginea vieții moderne este influențată de ecologizare, adică de dorința de a ține cont de raportul optim dintre lumea vie și habitatul ei. Ca urmare, are loc o convergență a mediului și a culturii (ecologia culturii), se conturează conceptul de îmbinare a arhitecturii, designului industrial, comunicațiilor vizuale, artelor aplicate și frumoase, care uneori este numită „artă de mediu” - designul de mediul arhitectural. Conceptul unei astfel de asociații permite, sub forma unui mediu subiect-spațial și a elementelor sale, să se recreeze valorile dobândite (dezvăluite) în istoria valorilor și stilurilor de viață ale generațiilor anterioare pe baza conservării resurse naturale neregenerabile și atitudine atentă față de realizările culturii umane.

În proiectarea artistică „ecologică” a produselor industriale, se acordă o atenție sporită aspectelor de mediu ale producției și exploatării obiectului: consumul de materiale și energie, siguranța mediului și posibilitatea de reciclare la sfârșitul duratei de viață. Mai mult, conceptul de „obiect prietenos cu mediul” include nu doar absența unui impact negativ asupra mediului, ci și confortul psihologic al utilizării acestuia (armonie vizuală cu mediul), ceea ce deschide noi posibilități de modelare pentru designer. Un loc aparte îl ocupă în E.d. evoluții conceptuale, predictive (vezi Futurodizay n).

În E.d. sunt de asemenea luate în considerare caracteristicile regionale ale mediului urban și rural: organizarea lor spațială și temporală, tipurile de așezare, interconexiunile structurale ale locuințelor, locurile de muncă și comunicațiile de masă, caracteristicile conținutului subiectului mediului și, în sfârșit, figurat. caracteristici care reflectă valorile tuturor „straturilor regionale ™”.

Preocuparea pentru conservarea naturii ar trebui să se extindă și asupra grupurilor etnice, care sunt o parte necesară a acesteia. Identitatea (fuziunea) etno-culturală a mediului și a modului de viață este asigurată de faptul că grupurile etnice individuale participă, pe de o parte, la asigurarea interacțiunii culturale a oamenilor, iar pe de altă parte, la asigurarea diversității culturale și propria lor identitate. S-a stabilit că reprezentanții unei culturi naționale sau regionale stăpânesc spațiul în conformitate cu „modelele” adoptate anume de cultura lor. În funcție de specificul culturii lor, ele se referă cumva la organizarea spațiului, dimensiunea și forma acestuia și plasarea obiectelor în el. În consecință, se construiește relația lor cu compoziția volumetrico-spațială a mediului și a componentelor acestuia (așa-numitul „etno-design”).

Toate acestea indică faptul că rolul lui E.d. în formarea și conservarea unei anumite comunități culturale este complex și divers, iar acest lucru trebuie luat în considerare atunci când se evaluează modificările raportului dintre general și special în mediul subiect-spațial organizat prin instrumente de proiectare.

ERGODESIGN -proiectarea artistică a obiectelor, a căror formare este determinată în primul rând de cerințele ergonomiei.

Astfel de obiecte includ panouri de control, echipamente la locul de muncă și alte produse, a căror eficacitate depinde de interacțiunea lor cu corpul uman.

În anii 60 ai secolului trecut, acest termen a definit evoluțiile școlilor de design individuale, dintre care cele mai faimoase au fost activitățile designerilor cehoslovaci 3. Kovarzh, M. Schindlero, P. Shkarka și o serie de alții. În munca lor, cerințele ergonomice au dat naștere căutării modelării „anatomice”; în același timp, pentru a obține cea mai mare corespondență între forma produsului și antropometria umană, s-au folosit pe scară largă turnate din organele corespunzătoare. Produsele obținute ca urmare a unor astfel de căutări (de regulă, acestea erau unelte de mână, mânere de control) diferă într-o formă particulară, dar s-au dovedit a fi insuportabile din punct de vedere ergonomic: concepute pentru o singură poziție a mâinii, au obosit rapid o persoană care nu a avut ocazia să schimbe prinderea. În zilele noastre, o abordare similară a modelării este utilizată în proiectarea obiectelor concepute pentru un contact apropiat pe termen scurt.

Ergodesign: cameră Kenon Super Bis (L. Kolani)

tact cu corpul de lucru al unei persoane, de exemplu, echipament fotografic.

ERGONOMICA -disciplina care studiaza caracteristicile obiective ale corpului uman(antropometrice, biomecanice, fiziologice, psihologice) cu în scopul de a optimiza interacţiunea acestuia cu produsul sau mediul.

Rezultatele studiilor ergonomice sunt înregistrate sub formă de reglementări, standarde etc., utilizate direct în procesul de proiectare. Contabilitatea cerințelor ergonomice este determinată și de testele în teren pe machetele de aterizare, cu ajutorul unei analize ergonomice a produselor analoge.

Contabilitatea cerințelor ergonomice poate deveni decisivă în formarea anumitor tipuri de produse și obiecte de mediu.

Greșeli de ergonomie în proiectare:

a - amplasarea comenzilor mașinii nu corespunde mărimii și proporțiilor figurii umane; 6-ferestrele tehnologice ale echipamentului nu sunt adaptate la cinematica mișcărilor umane

LA proiectarea mediului arhitectural E. a devenit, de fapt, piatra de temelie a metodologiei sale, deoarece. ea este cea care este legătura de legătură între conceptele de „mediu” (produsul final al creativității designului) și „persoană” (client și consumator de mediu).

Componentele proiectării mediului - conținutul subiectului, situația spațială și procesele funcționale - au făcut întotdeauna obiectul aplicării directe a eforturilor lui E. Dar au sugerat și perspectivele dezvoltării sale ulterioare, deoarece scopul final al activității de mediu nu este îmbunătățirea separată a componentelor mediului, ci sinteza lor, fuziunea meritelor psihofiziologice pragmatice și estetice ale complexului de mediu într-o singură categorie artistică integrală - imaginea (atmosfera) mediului.

Evident, pentru E., o anumită categorie sintetică poate deveni cea mai înaltă ghidare pentru deplasarea sa, întruchipând trecerea de la luarea în considerare a factorilor de legătură „inferioare” în formarea activității de mediu (oboseală, viteza de reacție, siguranță, pragul de iluminare etc. .) la factorii de ordine „medie” și „superioară” - plăcere, satisfacție, plăcere.

Tocmai pe această cale o parcurge E. astăzi, complicând din ce în ce mai mult obiectele cercetării sale, inclusiv sistemele de informare și control printre acestea, schimbând metodele de determinare a stărilor critice la principiile formării condițiilor pentru o activitate stabilă de muncă. Adevărat, deocamdată evită multe aspecte ale activității umane care au fost de multă vreme implicate, deși intuitiv, în proiectarea mediului. Cum ar fi reacțiile emoționale, misterul proporțiilor, preferințele estetice, aprecierea calității artistice a mediului sau a componentelor acestuia. Aparent, o analiză obiectivă a acestor sarcini, presupusa dincolo de sfera pragmaticii, este doar o chestiune de timp. Și atunci E., înarmată cu cunoștințe care acum îi sunt inaccesibile, va deveni parte a oricărei creativități artistice, și nu doar de design.

Dar şi astăzi E. a pătruns adânc în problemele obiectivizării soluţiilor de mediu. Mai mult, complexitatea și versatilitatea conceptului de „mediu” fac ca numărul de astfel de aplicații să fie mult mai mare decât în ​​designul grafic sau industrial.

De exemplu, sfera tradițională ergonomică a modelării elementelor echipamentului obiect al mediului se dezvoltă în proiectarea unor complexe care formează un anumit spațiu obiect, concurând în expresivitate cu adevăratul spaţiu „marge” al situaţiei de mediu.

Conectându-se activ cu ingineria tradițională a luminii, fizica termică, climatologia etc., E. ia în considerare condițiile fizice (meteorologice, acustice, de culoare deschisă etc.) ale șederii unei persoane în mediu, determinând limita și parametrii confortabili ai combinațiilor lor. , dezvoltând astfel prototipuri ideale de microclimat al mediului - cele mai favorabile circumstanțe ale percepției sale.

Fiind angajat în organizarea formei spațiului de mediu, E. sugerează cele mai bune opțiuni pentru bunăstarea unei persoane în limitele sale; studierea problemelor creării unui mediu pentru grupurile „non-standard” ale populației - copii, persoane cu dizabilități - E. abordează treptat un subiect atât de promițător precum crearea unui mediu pentru oameni excepționali, supradotați dincolo de măsura luată ca normă.

Unitatea sarcinilor de design ecologic și ergonomic a dictat apariția unei noi forme de cercetare a condițiilor de percepție a mediului - videoecologie, dedicat problemei armonizării complexului vizual al senzațiilor de mediu. Până acum - pur fiziologic, dar în viitor, artistic, unde rezultatul final va depinde de

porţiuni şi alternanţe de impresii vizuale „pozitive” şi „negative” în sistemul de mediu.

Există și alte exemple de legături între E. și designul de mediu: specificul mediului pentru acțiuni colective (de masă), de la biserici la stadioane, ținând cont de interacțiunea optimă dintre o persoană și componentele peisagistice ale mediului etc.

Interacțiunea activă a ingineriei mediului și proiectarea mediului pune și rezolvă practic o problemă extrem de importantă - transformarea ingineriei mediului dintr-o știință care limitează gama anumitor soluții de proiectare într-o activitate științifică și practică care generează noi direcții în dezvoltarea omului și societatea umana.

ACTIVITATE ESTETICĂ(în

design) - sociale specifice practică legată de reproducerea socială a esenţei umane şi vizând formarea complexă a mediului uman, ținând cont de nevoile sale estetice.

Bazele abordării metodologice a analizei produselor muncii, a legăturii dintre utilitar și estetic prin dezvăluirea naturii activității sociale și practice umane, au fost puse de K. Marx, care a legat El. cu munca, productia sociala, luata in intregime, i.e. transformarea nu numai a materialului naturii, ci și a omului însuși, a relațiilor sale sociale, a întregii culturi umane.

Omul folosește natura și o adaptează nevoilor sale. El se obiectivează în obiectele și structurile pe care le creează, și în alți oameni (relațiile lor) și în diverse forme de organizare a vieții.

E.d. Se manifestă în diferite moduri în sfera producției materiale și în artă - o activitate artistică specializată, cu o stabilire a scopurilor, modului de exprimare și de consum aparte. Este, după A. Losev, un generator de forme expresive ale oricărei sfere de activitate (inclusiv artă), dată ca valoare independentă și senzual direct exprimată.

Din moment ce relaţiile estetice şi E.d. „construită pe” activitatea subiect-material asociată cu transformarea obiectelor și fenomenelor naturale și adaptarea acestora la nevoile umane, în creativitate „după legile frumosului”, se pot distinge trei etape, care conduc la formarea semnificațiilor estetice. Pentru ca lucrările de design sau arhitectură să fie frumoase și expresive din punct de vedere artistic, autorii lor trebuie să rezolve colectiv, și într-o anumită măsură și în mod consecvent, o serie de sarcini: 1) să creeze obiecte și structuri individuale, complexele lor și mediul în ansamblu. care își îndeplinesc scopul, perfect din punct de vedere tehnic, necesitând cea mai mică cheltuială de forțe și mijloace pentru producerea sau construcția lor; 2) să le dea o formă armonioasă care să corespundă esenței lor și esenței creatorului lor, astfel încât necesarul material să apară în ei de la sine, și deci, ca unul estetic; 3) stabilirea și rezolvarea sarcinilor artistice și figurative în conformitate cu valoarea potențială a complexului de obiecte de jos sau a unui mediu arhitectural dat.

VALOARE ESTETICĂ(în proiectare) - o înțelegere specială a esenței obiectului care ia naștere în procesul percepției și experienței sale estetice. E.c. este obiectivă, dar numai în măsura în care evaluarea estetică coincide cu normele estetice general acceptate.

Crearea E.c. mediul subiectului este o sarcină specifică a proiectantului. Cu toate acestea, o evaluare estetică pozitivă a mediului apare numai atunci când există un sentiment de armonie între aspectul său frumos și organizarea sa rațională, care contribuie la soluționarea problemelor economice și culturale de bază.

Cerința de a evoca o reacție emoțională pozitivă la o persoană (evaluare estetică înaltă) este importantă în primul rând pentru că o astfel de evaluare holistică este o evaluare cu adevărat umană, o evaluare din punctul de vedere al dezvoltării culturale a unei persoane, în care subiectul atitudine estetică apare înaintea lui nu dintr-o parte, ci cuprinzător.

Integritatea unui mediu obiectiv sau spațial este astfel alcătuită din numeroase trăsături, printre care: oportunitatea structurii, legătura armonioasă a tuturor elementelor sale, originalitatea, utilizarea unei situații naturale specifice etc. Natura evaluării estetice este influențată de conexiunile diverse ale unei persoane cu mediul pe care îl creează. Aceasta conduce la o varietate de forme de activitate estetică, formează diferite tipuri de atitudine estetică față de acest mediu, definindu-i E.ts.

RELAȚII ESTETICE(în

design) - o formă de „realizare de sine” reală a unei persoane, o metodă de aprobare practică obiect-senzorială a acesteia(ca ființă generică) în lumea din jur un mijloc de formare a calităţilor de personalitate necesare societăţii.

O persoană are nevoie nu numai să cunoască legile obiective ale lumii și să le prezinte sistematic, ca o ordine mondială, ci și să dezvăluie semnificația acesteia pentru dezvoltarea personalității, stabilindu-se în ea cu toate sentimentele sale, să arate toate puterile sale creatoare și bucurați-vă de jocul lor liber. Această nevoie de a stăpâni lumea și toată bogăția socială a „sensibilității umane subiective” este nevoia și capacitatea de a se raporta estetic la lumea din jur 4 .

Pentru a înțelege natura și esența E.o. importantă este ideea lui K. Marx că în procesul de „umanizare a lucrurilor” încep să „trăiască o viață dublă”. Pe de o parte, ele rămân lucruri utile necesare pentru a menține existența fizică a oamenilor. Dar sub aceste relații de utilitate, care constituie fundamentul material al vieții sociale, se construiește o relație umană adecvată, în care lucrurile și întreaga natură își pierd „utilitatea goală” și acționează ca o oglindă a relațiilor sociale, abilităților umane, idealurilor, psihologie etc. Datorită acesteia, „omul se dublează” și „se contemplă pe sine în lumea pe care a creat-o”.

O astfel de înțelegere a esenței practicii sociale ne permite să formulăm conceptul de E.O. a unei persoane la realitate, la subiectul operei sale, ca fenomen în care calitățile caracteristice complexelor de subiecte, și cu atât mai mult ale mediului subiect-spațial, primesc o formă expresivă adecvată și un produs armonios organizat în proces. a activităţii unui arhitect sau proiectant devine pentru o persoană (creatoare şi perceptoare) afirmarea esenţei sale sociale şi a abilităţilor sale creatoare. Această capacitate a unei persoane, ținând cont de proprietățile obiective ale obiectului, în același timp de a-și afirma „propria esență”, K. Marx a asociat cu creativitatea conform „legilor frumuseții”. El a subliniat că „universalitatea practică” a unei persoane duce la faptul că știe să producă după standardele de orice fel și pretutindeni știe să aplice măsura corespunzătoare unui obiect; din cauza aceasta omul formeaza materia de asemenea, după legile frumuseții, acestea. creativitatea după legile realității în sine nu se opune creativității după legile frumosului, ci indică o nouă calitate care se realizează în acest caz. În E.O., întrucât sunt una dintre manifestările unei relații cu adevărat umane cu lumea, o persoană își însușește esența într-un mod cuprinzător, adică ca persoană integrală. E.o. sunt deci relația universală a omului cu lumea, iar întreaga măsură a dezvoltării culturale a individului, pe de o parte, și a dezvoltării culturale a societății, pe de altă parte, se manifestă în judecata estetică.

Funcția socială fundamentală atât a arhitecturii, cât și a designului este utilitar-practic,și

acest lucru se aplică tuturor obiectelor lor, cu excepția, poate, structurilor memoriale. Pentru masa principală de lucrări, latura estetică este, parcă, o derivată, deși asta nu înseamnă deloc că valoarea lor estetică este o proprietate secundară față de altele. Înseamnă doar că activitatea estetică este construită pe deasupra unei soluții fundamentale și tehnice care vizează crearea unui mediu material pentru procesele de bază ale vieții umane și ale societății umane în ansamblu.

Cele de mai sus ne permit să separăm tipurile de E.O.: în primul rând, cele care își datorează originea activității estetice direct țesute în practica materială a omului și, în al doilea rând, apar ca urmare a unor activitate estetică care vizează reflectarea artistică a realităţii. Aceasta din urmă este una dintre formele producției spirituale, izolată de material, deși asociată indirect cu ramurile sale individuale (de exemplu, în arhitectură - cu construcția, iar în design - cu producția industrială).

Aceste tipuri de E.o. acționează ca forme (și rezultate) diferite ale unei singure activități estetice. Primul dintre ele se numește pur și simplu estetic - este dominat de expresia senzuală și designul vieții interioare a obiectului (sau frumusetea), al doilea - estetic și artistic,întrucât este dominată de planul ideologic și emoțional, exprimat prin imaginea artistică a unei opere de artă.

Diferența dintre aceste forme este că în primul caz, obiectul creat în sine este supus evaluării estetice: vorbim de E.O. a unei persoane în principal la esența produsului sau a structurii proiectate (adevărat, corelat cu toată bogăția relațiilor umane). În subiectul al doilea din E.o. sunt aspectele esențiale ale realității, ale căror limite pot fi trasate destul de clar pentru fiecare dintre tipurile de artă. Activitatea artistică asociată acestei relații are ca scop sarcini cognitive și educaționale, și chiar sarcini de transformare a realității în sine. Domeniul de activitate poate fi foarte extins, în legătură cu care într-o operă de artă se interpretează în mod specific o gamă largă de idei cu caracter filozofic, politic, moral, care necesită o formă specială de E.O. și expresie, ceea ce face din artă o formă de conștiință socială de mare semnificație ideologică. Esența acestui tip de E.O. iar forma în care se exprimă această esență sunt interdependente - în contopirea lor ia naștere o imagine artistică.

Arta ca un fel de EO, fiind asociată cu ideologia, este mult mai largă și mai bogată decât ideologia în sine. Specificul artei ca formă de conștiință socială constă în natura artistică și figurativă a reflectării realității în ea, precum și în faptul că subiectul artei este viața umană, atitudinile multiforme ale oamenilor față de lume și faţă de ei înşişi, experienţele lor, adică esenţa socială umană. Aici trece granița ușor de depășit dintre diferitele „tipuri de frumusețe” sau „tipuri de artă”, sau mai degrabă, diferite tipuri de E.O. la subiectul creativităţii. Caracteristica este relativa ușurință de trecere de la „non-artistic” la „artistic”. S-au născut multe tipuri de artă, crescând din activități care la început nu erau de natură artistică (de exemplu, anumite tipuri de literatură, documente de film sau fotografie, care pot fi și deveni artistice).

Cu alte cuvinte, asimilarea ideologic-estetică (artistică) și formal-estetică (non-artistică) a realității sunt doar părți diferite ale procesului unic de asimilare estetică a acesteia.